Cine FA7

Vida, arte, emoções: outubro no Cine FA7

2011-09-28T11:03:00.001-07:00

Umas das telas de Pollock, artista trazido no
filme da segunda quarta-feira do mês

Três filmes sobre arte. Três vidas vividas de e para a arte. Nesse mês, o Cine FA7 traz obras biográficas de três artistas, de diferentes épocas e habilidades artísticas, mas que tem em comum à entrega, a vivacidade, o espírito das artes.

Para dar início, "Jack Kerouac: o rei dos beats", documentário de 125 minutos do diretor John Antonelli, será exibido na próxima quarta (5/10). Em seguida, no dia 19/10, a vida a conturbada do pintor americano Pollock é trazida num filme DE mesmo nome. E para finalizar o mês, todo o encanto, romance e loucura da artista plástica francesa Camille Claudel, em 26/10.

Confira a Programação completa aqui!

Realidade brasileira na ficção nacional, setembro no Cine FA7

2011-09-08T05:06:00.000-07:00

Neste mês, o Cine FA7 traz apenas três filmes. Desta vez, o ponto em comum entre as obras é a nacionalidade. Todos brasileiros, são expressões do cinema nacional produzido nos últimos anos.

Para dar início, Pixote, de Hector Babenco, retrata a saga de um garoto criminalizado pela sociedade. Será exibido na próxima quarta-feira, depois do feriado, dia 14 de setembro. Na quarta seguinte, dia 21, a trama conta com Débora Falabella e Roberto Bomtempo estrelando a conturbada história de Dois perdidos numa noite suja. E para finalizar o mês, Amarelo Manga preenche a telona do nosso cineclube. Um emaranhado de relacionamentos conflituosos dão vida ao filme, que será exibido dia 28.

Agosto no Cine FA7: de volta!

2011-08-09T14:54:00.000-07:00

Acabaram as férias, o semestre acadêmico voltou, e junto com ele, o cineclube da FA7. Neste mês trazemos quatro incríveis documentários.

Para começar bem, teremos Janela da Alma, no dia 10 de agosto, documentário que trata da visão sob uma perspectiva multidisplinar e poética. Em seguida, trazemos Caminho para Guantánamo., dia 17, que conta a história de jovens, presos e torturados, pelo exército americano no Paquistão.

Logo depois, no dia 24, exibiremos Arquitetura da Destruição. O filme mostra como Hitler usou a mídia, de forma estratégia, a seu favor. E para finalizar, uma homenagem ao grande ícone da TV brasileira, Chacrinha, com o documentário Alô, alô Terezinha, no dia 31.

A partir do mês que vem, teremos novidades, aguardem.

Confira a programação, com os resumos de cada filme, clicando aqui!

CRONICAMENTE INVIÁVEL – Cliques sobre uma realidade brasileira fragmentada: um retrato um pouco míope

2011-05-23T06:09:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

“Pra que perder tempo interpretando a realidade pras pessoas entenderem? Só pra fingir que eu entendo melhor? Melhor só registrar os fatos e deixar a interpretação pra depois”. Esse é o momento de desistência de montagem do país pelo personagem narrador intelectual Alberto. É por meio dele que, Sérgio Bianchi e Gustavo Steinberg, resolvem contar e costurar a trama dos personagens do Brasil cronicamente inviável.

Lançado à época da comemoração de 500 anos do descobrimento do Brasil, Cronicamente Inviável ensaia um redescobrimento do país. Tira a máscara da civilidade e a questiona, uma máscara tão tênue e ao mesmo tempo tão opaca que as pessoas não enxergam. Não quer comover puramente para ganhar prêmios, como outros filmes da mesma época. Revela, a partir da trama e do emaranhado de relações dos personagens, o drama em um contexto alegórico.

Caem do filme indícios de um Brasil incluído na pós-modernidade. Já no início, as latas de lixo em frente o restaurante, são representantes da compreensão da reciclagem como forma de consciência ecológica, mas que ao mesmo tempo, é confrontada com a insensibilidade diante da fome, problema social de maiores proporções. Ou seja, na visão burguesa a inclusão de pedaços ínfimos da modernidade no país é suficiente, problemáticas maiores tem a solução retardada.

Em outros momentos, também é possível reparar a alusão a civilidade. Como quando o economista entra no táxi e pede que o motorista respeite o semáforo. Ou quando, no segundo atropelamento, a mulher se diz cumpridora das leis, e grita não ter culpa ou responsabilidade sobre a vida da criança mendiga que agoniza no chão.

“Eu não tenho culpa”, poderia ter sido o nome do filme, já que é nesse ponto que a película tenta evidenciar a culpabilidade de todos sobre a caótica situação brasileira pós-moderna. Só que é igualmente aí que Cronicamente Inviável peca. Evidencia o conformismo, o desregramento regrado e a responsabilidade desviada, por meio de infinitos estereótipos. Nesse retrato cítrico brasileiro, o diretor diz pontuar os clichês esquizofrênicos, cínicos e otimistas, mas reforça alguns espectros, não sei se intencionalmente.

É feliz ao mostrar os conflitos sociais, étnicos, culturais, em ataque aos mitos reforçados cotidianamente pela ideologia dominante e recriminar o achar da existência de uma cultura nacional homogênea, na qual todos defendem seu modo de viver como perspectiva de integração e desenvolvimento. Todavia, faz uma crônica, não inviável, mas alegórica demais, que ataca, com uma fotografia mediana, sob uma ótica pequeno-burguesa e muitas vezes limitada. Nada de positivo é considerado.

Visceralmente cinematográfico, no falso documentário, o oprimido assume o papel de opressor. Se não é papel do cinema apontar soluções, não é também papel mostrar os lados divergentes e não somente o caos e os aspectos negativos? A exemplificação disso se mostra na cena em que um grupo de trabalhadores do campo organizados, alusão ao MST (Movimento Sem Terra), é trazido como desestabilizado e sem direção. Há aí uma crítica vazia aos movimentos sociais. Desconsidera com isso a relevância das intervenções da sociedade civil organizada.

Volta-se aí à questão dos estereótipos. Muitos takes poderiam ser analisados separadamente. Os discursos dos oprimidos e/ou dominados, se colocamos por esse viés, é trazido acompanhado de características ruins e de um cunho pejorativo. Na cena em que duas mulheres negras se dizem discriminadas, essas agem de maneira neurótica, e nitidamente se passa a imagem de que estão erradas e paranóicas. Pode o filme questionar com isso, o fato de que por passar por diversas situações de preconceito, o negro acaba por internalizá-lo, vendo-o onde não existe? Tal questionamento não fica claro.

A mesma falta de coerência se manifesta em outros personagens. O intelectual critica e aponta a sociedade e seus aspectos conflituosos, mas ao fim é descreditado por se inserir nessa lógica natural do trambique. O índio, que fala lentamente, não defende a igualdade, como possibilidade de reestabilização, mas sua cultura como perspectiva da integração e construção da identidade nacional. Sulistas, tanto a estudiosa, como o fazendeiro, são sempre separatistas, acreditando no trabalho como forma de desenvolvimento e progresso, mesmo que esse seja explorador.

Os operários são passivos, conformistas, manejáveis, assumindo discursos, sem qualquer crítica ou inaceitação. Uma bela cena a respeito desse último ponto é a tomada em que o garçom Adam faz um discurso anti-patrão. Aí, o filme levanta uma questão relevante, o terrorismo. “Num é violência, é terror”, propõe Adam aos operários na rua.

A violência, para o filme, parece ser a única característica comum à todas as regiões do país. Já que essas possuem uma diversidade gigantesca, não podendo ser abarcada em integridade pelas correntes idealizadoras de uma identidade nacional brasileira unificada e sem subversão. Seja essa violência esboçada na brigas, assaltos, pela polícia, ou mesmo a violência contida na fome ou no desrespeito com o mais fraco. “Despedir não tem graça, divertido é humilhar”, conclui Luís, dono do restaurante onde se passa parte do enredo.

Como montagem de um panorama, onde as culturas competem entre si, as cenas aparentemente banais, esquetes unificadas e costuradas, parecem ser anunciadoras de um mal já sabido para olhos anestesiados pelo cotidiano.

“A felicidade é uma perfeita forma de dominação autoritária”, descreve o escritor observador Alberto. Ao som do axé baiano ele elucida o conceito de entorpecimento das massas para manutenção da pobreza. "Homens e mulheres podem ser computadorizados, e transformados em robôs, sim- mas eles também podem se recusar a isso", pontua Herbert Marcuse em Ecologia e Crítica da Sociedade Moderna. E essa recusa não é mostrada em Cronicamente Inviável. Oprimidos são mostrados como bandidos ou coitados. E opressores como principais interessados em manter a ordem vigente.

A personagem carioca, esposa caridosa, tem atos de solidariedade. Na entrega de brinquedos, metáfora que exprime o remorso inconsciente que as classes dominantes parecem ter, Ana Alice sugere se livrar da culpa. O filme aclara e desmistifica o imaginário do país fruto da miscigenação harmônica e desprovida de conflitos. Explícita que, muito pelo contrário, o Brasil se originou a partir de um emaranhado de resistências formadoras da nação. Levanta ainda, como alguns indivíduos até hoje, cada um a seu modo, querem recuperar essa pseudo unidade e identidade nacional.

Na cena final, uma mendiga, persona conjunto das opressões (pobre, negra, mulher, e, provavelmente, nordestina) reza uma canção de ninar ludibriadora para o filho. Como quem não tem perspectiva e diz “vamo ser um pobre, mas um pobre honesto”. Justifica e assume a ideologia dominante como forma de se conformar e não sofrer mais ainda com as mazelas que a oferecem. É o arremate da inércia, de quem domina e de quem é dominado, a reflexão final sobre o que fazer quando os problemas se naturalizam tanto. Cronicamente Inviável é um filme pra chocar a classe média. O povo já vive inviavelmente.

TERRA ESTRANGEIRA – O não-lugar físico, psicológico, econômico: a fuga do Brasil dos anos 90

2011-05-04T15:13:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Até 1990, os malefícios do capital e da economia liberal iam afetando gradativamente a população brasileira. Foi só com o presidente playboy, de rosto jovem e cínico, que as garras do neoliberalismo se cravaram nitidamente nos corações de todo um povo, de uma só vez. Foi o confisco monetário da década de 1990. Olhos e corações se apertaram, quando a TV exibiu a então ministra da Economia. Zélia Cardoso, a confirmar o roubo vestido de política, realizado pelo governo Collor.

É nessa época que se passa Terra Estrangeira, renorteando o Cinema Brasileiro, então meio perdido. A produção luso-brasileira, dirigida por Walter Salles e co-dirigida por Daniela Thomas, ganhou inúmeras premiações, dentre elas, o Prêmio Margarida de Prata (Brasil), o Prêmio Golden Rosa Camuna (Itália) e o Grand Prix do Entrevues (França).

A trama usa a vida de Paco (Fernando Alves Pinto) para ir costurando o enredo e a argumentação. Sua mãe (Laura Cardoso), uma costureira espanhola que sempre cuidou do filho sozinha, cai de um enfarto ao saber que perdeu suas economias de toda uma vida para o Governo Federal. Paco, desamparado, recebe a proposta de viajar para Portugal, vendo aí mais próxima a oportunidade de conhecer a terra de sua mãe, sonho que ela alimentara e economizara para lá retornar.

As cenas em preto e branco são usadas como recurso de destaque da crise no país. O estudante, de 21 anos, aceita a proposta de levar um violino, cujo conteúdo desconhece. Continha diamantes para o tráfico internacional. Ao chegar na Europa conhece Alex (Fernanda Torres), também brasileira, namorada de um músico traficante. A moça, meio envelhecida pelos trabalhos, anseios frustrados e saudades do Brasil, já está cansada do amor destrutivo que vive com o namorado Miguel (Alexandre Borges).

Paco e Alex se conhecem após o assassinato de Miguel, e se envolvem. Compartilham a solidão na terra estrangeira e a falta de perspectiva de retorno para sua terra pátria. Sob uma iluminação distinta e uma fotografia privilegiada, o amor do casal nasce. O sofrimento os une, como na cena em que se abraçam, tendo ao fundo o navio encalhado. Momento digno de um fado português, já que não podem partir, nem querem ficar, tal qual o navio.

O sentimento do casal é regado por Vapor Barato, música de Jardes Macalé, em alusão a desesperança de uma geração cujos pais viveram uma ditadura militar e o exílio, e que agora fogem de um país sem rumo, revestido de uma falsa democracia. Embora não se prenda às questões políticas, dá margem para a reflexão. Tenta se firmar porém, no problema da imigração brasileira, pincelando a questão do contrabando.

O mar, ao mesmo tempo, é ícone da liberdade e caminho-relação entre os países que no passado foram metrópole e colônia. O navio ali encalhado, talvez referência a um Portugal periférico na Europa e à brasileiros periféricos em Portugal, vindos de um Brasil também periférico na economia mundial. Esses prendimentos dos personagens ao seu país de origem, com suas identidades culturais, constroem uma presente desterritorialização.

O atravessar do limite Portugal/Espanha, na cena em que Alex carrega no carro Paco, baleado e quase sem vida, é a materialização do rompimento da fronteira. Narrativa e espaço dialogam e se emprestam pedaços durante todo o filme.

Alguns críticos sinalizam Terra Estrangeira com ares de cinema noir, apresentando a busca por uma caracterização da realidade social brasileira, com trechos a la road movie. E não se pode negar a contribuição estética, narrativa e conceitual que a película imprimiu no cinema brasileiro contemporâneo. Deixou rastros que são seguidos e calçam obras até hoje.

MAIO - Cinema Brasileiro Contemporâneo

2011-04-25T08:33:00.000-07:00

Nelson Pereira dos Santos, Daniela Thomas,
Sérgio Bianchi, Júlio Bressane e Walter Sales

Este, mês o Cine FA7 vem com quatro obras do cinema atual do nosso país. Esse nosso cinema que vem se desenvolvendo desde seu ápice até agora, desde as películas do Cinema Novo, algumas delas que exibimos mês passado.

Os filmes exibidos também vêm refletindo as questões do país que se seguiram a sua produção, como em Cronicamente Inviável e Brasília 18%. Ou em outros casos, como em Dias de Nietzsche em Turim, mostram a repercussão que os cineastas brasileiros conseguem ter internacionalmente. Ou ainda, pincelam como é ser brasileiro fora do Brasil, como em Terra Estrangeira.

Walter Salles e Daniela Thomas, Sérgio Bianchi, Júlio Bressane e Nelson Pereira dos Santos são os diretores que figurarão nas quartas-feiras de maio da sala 53B. Venha conferir um pouco do cinema nacional no Cine FA7 e não esqueça de pegar sua pipoca!

O BANDIDO DA LUZ VERMELHA: “Trata-se de um faroeste do Terceiro Mundo”

2011-04-13T14:22:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

“Quem sou eu?”. A inspiração existencialista de Godard se apresenta já na primeira fala de O Bandido da Luz Vermelha. Jorge, personagem inspirado no assaltante e assassino João Acácio Pereira, bonitão que assolou a cidade de São Paulo no fim da década de 50, inicia a obra com o monólogo. Logo, a narração debochada que se assemelha a um programa de rádio policialesco informa: “trata-se de um faroeste do Terceiro Mundo”. Ai, quem já escutou a música Rubro Zorro, da banda Ira, identifica. A canção, que pouco informa na letra, se refere claramente ao bandido da luz vermelha.

Lançado, em 1968, um ano depois de o mito inspirador da trama ser condenado à 351 anos, 9 meses e 3 dias de cadeia, O Bandido da Luz Vermelha marca exatamente o momento de transição entre o Cinema Novo e a abertura para o Cinema Marginal. Apesar de considerado Marginal, pela sua caracterização estrutural, alcançou grandes públicos. E como conta a atriz Helena Ignez, que interpreta Janete Jane, o reconhecimento não aconteceu à época, por influência de membros da esquerda conservadora. Somente 20 anos depois, o diretor do filme Rogério Sganzerla, levou outra obra - Nem tudo é verdade - ao Festival de Cannes.

Com 22 anos de idade, um incrível senso de desconstrução de roteiro e uma forte capacidade de roteirização para os parâmetros contextuais da época, Rogério Sganzerla chamou atenção. Como Bill Pronto coloca, os próximos 50 anos seriam dedicados ao estudo da obra de Sganzerla, assim como os 50 anteriores haviam sido colocados para investigação de Wells.

Considerado como o maior representante do Cinema Marginal, O Bandido da Luz Vermelha venceu o Festival de Brasília, em 1968, nas categorias de melhor figurino, melhor diretor, melhor montagem e melhor filme. Agraciado com a estética do lixo, já apontando para as mazelas do espaço urbano e da sociedade de consumo, abandona o conjunto de elementos até então valorizados pelo Cinema Novo. Enaltece o cafona, o sujo, a degradação moral dos personagens, como forma de enfatizar a ruptura com a rotina moderna.

Curiosidades:
- Sônia Braga faz uma pequena participação na trama, apenas como uma das vítimas do bandido.
- Mesmo para a efervescência cultural da época, o filme chocou e agradou o público, já habituado há constantes rupturas em todas as esferas da arte.
- O bandido Acácio, que inspirou a trama de Sganzerla, cumpriu sua pena no Carandiru, e no dia em que deveria sair de lá, se recusou. Estava convertido ao protestantismo, com um comportamento exemplar para o presídio, que incluía até pregação da Palavra aos colegas de prisão.

O PAGADOR DE PROMESSAS - O mítico híbrido mostrado pela saga de um Zé do Burro

2011-04-08T08:35:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Marcando o Cinema Novo, com ganas de quem quer destrinchar os conflitos culturais brasileiros, Anselmo Duarte dá vida a’O pagador de Promessas. Usando a saga de Zé do Burro, o diretor pontua as reapropriações religiosas que o povo trata de fazer, como quando a branca Santa Bárbara, é exaltada no terreiro de macumba como a Deusa Iansã, e faz curar o burrico do pobre Zé.

Um raio faz cair um galho que, por sua vez, sangra a cabeça de Nicolau, o burro. O dono, amigo que era do animal, corre a rezas, benzimentos e é só no terreiro que consegue a graça, ao prometer a Santa Bárbara, Iansã, que se o bicho ficasse bom, andaria sete léguas com uma cruz às costas, e além disso, distribuiria suas terras aos que de terra carecem. O intuito era entregar seus agradecimentos pessoalmente no templo que batizaram com o nome da santa-divindade, a igreja de Santa Bárbara, em Salvador.

Chuva e sol, calos nas costas e nos pés, e a lamúria da esposa não desvanecem a fé de Zé. O moço consegue chegar a igreja, que pela noite, se encontra fechada. Tem de dormir ali mesmo até o amanhecer. A mulher, zangando-se da teimosia do marido, engraça-se com um larápio que puxa conversa com o casal. Passa a noite com ele num quarto de pousada, apoiando seu arrependimento na inocência do marido.

A manhã e os olhares comentosos das beatas acordam um Zé que dorme sobre a cruz de pau. O padre escuta de pronto a história do homem, e ao tomar conhecimento da promessa, a acha presunçosa e descabida. Ora, como poderia um homem querer imitar o filho de Deus para salvar um bicho, um burro ainda por cima? Esquecendo que Jesus Cristo montou um burro, o padre desdenha o pagador de juramento, e não o deixa entrar na igreja. Ainda mais por que a promessa foi feita, não sob o manto da Santa igreja Católica, e sim sob os coloridos rodopiares do Candomblé.

Zé tenta persuadir o pároco, argumentando que a fé é a mesma e que a graça fora alcançada. O diálogo todo se passa na gigante escadaria da igreja. Em certos momentos o cátedra se posta ao lado do fiel, ouvindo-lhe atentamente. Em outros tantos, lhe grita as verdades sagradas e lhe aponta sua desobediência, degraus acima, impondo-lhe a hierarquia que a Igreja tão bem sabe ensinar.

Em outra cena, água em bacias e muitas baianas de saias rodadas e colares de contas vão expulsando da escadaria o Zé, que se apóia na cruz, esperando o padre decidir-se por deixá-lo entrar. É a lavagem dos degraus que acontece em data anual, homenageando a santa.

A notícia se espalha. A imprensa, representada pelo jornaleco dali, aparece para entrevistar Zé. Na conversa que o jornalista tem com seu editor, fica clara a crítica do filme a mídia. “Não queremos reportagem bem feita, queremos reportagem que venda, entendeu?”, intima o editor ao repórter, indicando-lhe que recorra a imaginação. Essa imagem é reforçada na cena em que Zé do burro conversa com o policial, e esse, diz que o padre vai ter de abrir as portas da igreja, pois “quem não tem medo da imprensa?”.

Com as proporções que toma, o assunto vira conversa do monsenhor arcebispo. A igreja não quer dobrar-se, ao passo que sugere ao devoto que abandone as influências que teve do demônio e desista da tal promessa indigna. Diante da “tolerância cristã”, Zé não renega a sua jura, e reforça que fez a promessa à santa e não ao monsenhor. Assim, ele não teria direito de liberá-lo de coisa nenhuma.

Um conflito se inicia, e um tiro ceifa a vida de Zé. O fim da película não poderia ser mais cristão. Capoeiristas atam o corpo do homem à mesma cruz, que carregou por longo caminho, e o levam ao altar de Santa Bárbara. O povo se dissipa e a mulher termina desolada naquela larga escadaria. Agora, longe de casa, sem fé e sem o seu homem.

ABRIL – Cinema brasileiro moderno

2011-04-02T07:37:00.000-07:00

O cinema moderno brasileiro ou Cinema Novo tem momentos de aprimoramento no intervalo de tempo que o compõe. No Cine Fa7 deste mês, escolhemos quatro obras marcantes para ilustrar esse período decisivo na construção cinematográfica nacional, com quatro grandes diretores.

Confira os filmes clicando aqui!

Uma boa indicação de leitura para quem deseja se aprimorar no assunto é o livro de Ismail Xavier, que leva o mesmo nome da temática deste mês, “Cinema Moderno Brasileiro”.

MARÇO - Cinema e Literatura: venha ler, ops, ver!

2011-03-21T08:57:00.000-07:00

No mês de março, o Cine FA7 traz clássicos da Literatura que emprestaram seu enredo e personagens para as cenas de diretores consagrados. Shakespeare vem na película de Orson Wells, no dia 2, Schlondorff traz a história de O Tambor, no dia 16. Já na terceira quarta-feira do mês, é a vez de Michael Radford, com a obra de George Orwell, 1984. E para finalizar, a película de 1986, Jean-Jacques Annaud é o destaque com O nome da Rosa, livro de Humberto Eco.

FEVEREIRO - Homenagem à Stanley Kubrick

2011-02-02T11:49:00.000-08:00

E esse mês a telona da sala 53B brilha ao som e imagem de um dos maiores diretores da história do cinema. Também em comemoração aos 40 anos do clássico Laranja Mecânica, o Cinefa7 exibe três filmes do diretor americano Stanley Kubrick.

Para abrir, nada menos do que 2001: uma odisséia no espaço, no dia 08. Na quarta-feira seguinte o clássico é Laranja Mecânica, dia 16. E para fechar o mês, o escurinho vem com suspense com O Iluminado, no dia 23. E precisa dizer que além de ter tramas maravilhosas, com pipoquinha de graça, você ainda ganha certificado de 2 h/a por cada filme assistido? Imperdível!

JE VOUS SALUE, MARIE – Revisitando a história do amor cristão, com uma visão modernista

2010-11-18T14:58:00.000-08:00

Por Sâmila Braga

Durante os 107 minutos do longa, Godard vai relacionando fatos. De um lado, a reinterpretação da história mais conhecida pelos cristãos. De outro, o estudo sobre a origem da vida por um estudioso, cientista. Tendo, ambas as histórias como plano de fundo o amor, os dois relacionamentos são totalmente distintos, mas, como mostram algumas cenas, vivem os conflitos inerentes da relação humana entre um casal.

Vindo do céu, todavia de uma forma mais moderna do que o clássico arcanjo, Gabriel (Philippe Lacoste) desembarca no aeroporto de Genebra, acompanhado da astuta garotinha (Manon Andersen). Pega o táxi do jovem Joseph (Thierry Rode) e ruma para o posto de gasolina do pai de Marie (Myriem Roussel), onde a garota trabalha. Lá, ele faz a Anunciação à ela. Virgem, e dedicando seu amor apenas à Joseph, Marie não entende sua gravidez. O namorado, a principio reluta, porém acaba aceitando o nascimento do menino Jésus.

Paralelamente a essa história, um professor de ciências, com ideias subversivas, se relaciona com uma de suas alunas, travando sempre com ela, discussões profundas sobre a origem da vida na Terra. “Uma inteligência anterior programou a vida”, inquieta-se. O professor argumenta que passou a pensar assim a partir da assustadora inteligência que vê possuir os computadores.

Trasa-se um confronto/comparação entre a velha dicotomia ciência versus religião. As histórias só se encontram na cena em que o casal de amantes, professor e aluna, pegam o táxi de Joseph. E ele, alucina ver Marie.

O jogo de cenas que Godard utiliza dá formato magistral à película. Ao mesmo tempo em que propõe uma reavaliação da mitologia cristã encarnando os sacros personagens em pessoas comuns, e acrescentando ao filme as informações de perspectiva de futuro nas vozes do professor que encarna a ciência, mescla elementos da natureza aos discursos. A cada hora, a existência de Deus, ou uma força maior que originou a vida, é posta em cheque ou afirmada nas falas, que são seguidas de quadros do sol. Este, sempre entrevisto, seja entre nuvens, entre arbustos de árvores, ou mesmo, oculto sob as montanhas.

Já a lua, aparece associada à fecundidade cheia de pureza, à gravidez de Marie, como em tempos ancestrais. Astro historicamente feminino, a lua círculo faz associação direta à barriga que cresce da garota, e que, por sua vez, guarda o filho de Deus.

“E o amor, seu idiota?.. Amor...”, vocifera Gabriel depois de dar um tapa em Joseph. É como se clamasse, daquela forma violenta e tão contemporânea, para que ele entendesse o real sentido das coisas, o quê de mais importante as pessoas tem esquecido. Isso é confirmado pelas falas da garotinha, antes dessa cena, quando ela afirma, “Ele quer saber de tudo! Como todo mundo!”.

Retratando a complexa relação entre corpo e espírito – “A alma tem um corpo?”, pergunta Marie ao médico, e ele logo responde: “É o corpo que tem uma alma!”- , Godard questiona a espiritualidade no mundo moderno. Marie, posta diante do ceticismo da Modernidade, se vê desamparada. Ao atualizar o fato cristão, o filme problematiza o discurso milenar e que ainda rege multidões, mas que não é questionado ou reinterpretado. Verifica assim, a atualidade e a atemporalidade do acontecimento.

Jésus nasce, e nas cenas com o bebê, a forte presença da natureza aparece. Os bichos que pertenceriam à manjedoura e o banho na água, nus, é exemplo disso. A referência aos apóstolos aparece na cena em que Jésus, já criança, brinca com os coleguinhas e os renomeia com nomes de Pedro e Tiago. O menino diz “Eu sou aquele que é!”, e corre para cuidar “dos assuntos de seu Pai”, fugindo de Joseph.

Marie fuma um cigarro e pinta os lábios de vermelho no seu carro, depois de encontrar Gabriel e ele proferir a saudação que dá nome ao filme: “Eu vos saúdo, Maria!”. O buraco negro que forma sua boca encarnada encerra a obra.

O filme, que em 1985, causou grande polêmica por tratar de forma diferenciada a temática religiosa, tão bem resguardada sob o manto sacro e purista, teve o roteiro e direção do renomado cineasta francês, Jean-Luc Godard, mas é uma produção de três países ( França, Reino Unido e Suíça). No Brasil, a censura da época, proibiu a exibição por compreender que o enredo ofendia ás crenças católicas.

OSAMA – A menina-sociedade que olha por janelas de dor, sob a burka-opressão

2010-10-22T11:08:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Ver Osama sob a ótica ocidental judaica-cristã é se encher de indignação perante às atrocidades de um regime cruel sobre vidas, principalmente femininas. O período, no qual os Talibãs assolaram o Afeganistão, marcou ainda mais os rostos afegãos já tristes e empobrecidos econômica e culturalmente. O Regime Talibã chicoteou a dignidade de um povo, que já não bastasse a guerra civil e as invasões russas, perdeu seus homens e deixou suas mulheres reprimidas.

Ser mulher nessa época e país era ter de se submeter ao uso obrigatório da burka e da companhia permanente de um homem. Era não poder trabalhar para sustentar a própria família que mandou seus homens pra guerra. Mais que mulher, a criança que encarna Osama, é apenas menina. Metonímiza-se. Transveste-se de menino, Osama. Anula sua feminilidade, quando corta os cabelos, num sofrimento que desenha em seus olhos um mal maior. O diretor Barmak aponta claramente como as diferenças de gênero se extinguem quando a menina estuda e trabalha como homem. É aceita apenas por ser menino, mas ainda é uma garota.

Siddiq Barmak escreveu, produziu, dirigiu e editou o filme. “Toda a história é uma combinação de histórias reais”, sentencia. Ele deu roupagem islâmica à velha história de repressão contra a mulher, que tem de encarnar a figura masculina, denunciando a igualdade de direitos. Ao contrário de outras tramas semelhantes – como a trabalhada por Walt Disney, em Mulan, ou da própria Joana D’arc, mártir histórica – a menina não chega a ir pra guerra. O conflito, que trava, é interno. Tem de abolir-se fisicamente para ter o que comer. Trabalha em uma venda, até ser convocada para o treinamento militar, na Madrassa. Perde-se no ritual masculino que nunca a pertenceu e quase é delatada. Torna-se mulher pela menarca, se concretiza mulher aos olhos de todos. Descobrem seu “crime”. É julgada. O perdão parece deveras mais penoso que a própria execução. É entregue ao Mulá como esposa, que já possui três outras mulheres.

Com uma fotografia inebriante de Ebrahim Ghafori, os vidros embaçados e os enquadramentos mágicos e apontadores dão ao filme a sinergia denunciadora de sofrimento que o diretor propõe. Tendo sido o primeiro longa-metragem filmado após a queda do regime opressor, grita ao mundo o potencial cinematográfico do Afeganistão. País, que desde o século que terminava, produzira o ínfimo numero de 40 filmes, entre longas e curtas.

Além da fotografia, os demais elementos de cena, as interpretações amadoras e firmes, a música de Mohammed Reza Darvishi dão à tragédia as expectativas do diretor, que como ele descreve são “que a dor, a tristeza e o sofrimento de nossa nação choquem os expectadores do mundo, para que possam mudar a consciência das pessoas e seus pontos de vista”. Debruça-se sobre a cultura religiosa que se apropria do discurso do livro sagrado com uma interpretação fixa, unilateral, fundamentalista. E contesta. Uma contestação-menino com mãos de garota.

Como o próprio diretor expõe, a busca por atrizes para o filme foi árdua. As marcas do regime ainda permaneciam nas almas e mentes afegãs. Acabou topando, dois dias antes do início das filmagens, com Marina Golhahari, a menina que viria a protagonizar Osama. Viu nela a dor de um passado, que seria projetado não só nas telas como no seu olhar cativante e revelador.

Burkalizar as mulheres, aprisionando-as num regime de falso moralismo, é mais do que aparentemente uma prisão individual, é, contudo, expressão maior de uma coação nacional, institucionalizada. O choque para o expectador ocidental se dá entre os dois universos culturais. Um, com excesso de moralismo, que visa preservar e resguardar a menor parte do corpo feminino, com a criação de órgãos públicos como o Ministério para a Promoção da Virtude e a Prevenção do Vício e da Imoralidade. De outro, uma sociedade que expõe o corpo livremente, em sensualizações naturalizadas, até entre crianças, na música, no cinema, na publicidade e na televisão. É a burka que briga com o micro-shortinho de funk. Essa procura da verdadeira essência da mulher é apenas um fator étnico? Onde estará a verdadeira liberdade de expressão, vestimenta, comportamento? É uma boa questão para reflexões. Osama traz à tona o universal, o habitual, sob uma bela história. Veste a inocência de acusação política. Dá vida a Osama.

VALSA COM BASHIR - Juntando retalhos de uma memória de dor

2010-10-08T15:48:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Um novo gênero, já trabalhado por Marjane Satrapi em Persépolis. Podem chamar de graphic novel, documentário-animação, ou simplesmente de real-desenhado em movimento. É nesse formato que Valsa com Bashir desenvolve sua trama. O diretor israelense Ari Folman vai desencantando lembranças de um passado de tanta dor que sua mente fez questão de apagar.

Um jovem de 19 anos, junto com tantos outros, matando, ferindo e destruindo. A Guerra do Líbano. Ari anunciou na internet que lançaria o filme. Cerca de cem pessoas queriam dar-lhe depoimentos. Ele acredita, que na tentativa de também livrarem-se, despejarem aquelas lembranças-sofrimento. Emparelha algumas entrevistas, do lado israelense. Auto-reconstituição. Contudo, mais do que isso, busca um filme jovem e antiguerra.

As primeiras cenas do filme dão a explicação. O amigo esclarece como a memória pode fabricar informações, mesmo da infância distante, preenchendo lacunas que podem nunca ter existido. Ou, deletar informações dolorosas para que a vida siga sem traumas. O tema é retomado mais a frente, quando a especialista em pós-trauma, Zahava Solomon, explica como um jovem criou um mecanismo para isolar-se de todo aquele horror da guerra. Ele imagina que tudo é como um filme, e que vê os momentos passarem atrás de uma lente fotográfica.

Uma das fotografias impactantes, que quebra sua câmera imaginária, é a de um jóquei com várias carcaças de cavalos. Talvez ai trace-se um paralelo entre o limite do sofrimento. E caiba a indagação de até aonde vai a crueldade humana. Onde estará sua racionalidade, ou mesmo emoção? A cena onde o foco está no olho do cavalo morto refletindo o homem de sombra triste pode ser espelho disso.

Outro aspecto que auxilia no transporte do expectador para os diversos ambientes é a trilha sonora. Max Ritcher trabalha com o punk rock, dando a devida jovialidade à obra. É quase como se tudo aquilo fosse um vídeo-game. Ou quando usa música lenta, terna, na cena do pomar, onde a criança explode o tanque e logo em seguida é morta por centenas de tiros. A iluminação desta cena impressiona pelos focos de luz combinados ao som calmo. O slow-motion co-habita com os demais elementos dando uma áurea de torpor ao momento. Num misto de obstrução, sonolência e letargia.

A música também é destaque na cena que materializa o título do filme. Quando o soldado Frenkel metralha, rodopiando “durante uma eternidade ou só um minuto”, com o pôster gigante do líder israelense cristão – Bashir - de fundo, por entre os tiros, ele valsa. A valsa com Bashir.

Durante os 90 minutos, a busca por lembranças do massacre de Sabra e Shatila, revela que os soldados, carregam as vestes de vítimas tanto quanto os milhares de civis palestinos que tiveram seus amados mortos. Do particular para o universal, Ari Folman consegue delinear equivalências relevantes. Como quando refere-se ao seu pai, na Segunda Guerra Mundial. Ou quando equipara o drama dos campos de concentração judeus aos campos de refugiados palestinos.

Para quem gostou da película que conseguiu tratar de um tema tão sujo e pesado como a guerra com desenhos impressionantes, fortes,oníricos, a editora L&PM traz mais. Mesmo sem os sons enternecedores, uma HQ, com ilustrações do brilhante David Polansky – animador do filme –está nas bancas. Ela tem 120 páginas e custa R$46,00.

O SANTO GUERREIRO CONTRA O DRAGÃO DA MALDADE- Mais do que estética da fome, brincando com o maniqueísmo popular

2010-09-25T16:15:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Brincar com o culto e o popular parece ser fichinha repetida por toda a obra glauberiana. E em O Santo Guerreiro contra o Dragão da Maldade essa ficha se tornou extremamente mais visível. Ópera e cordel se casam nas cenas de tomada de consciência e traição.

O filme que deu ao diretor os anos de exílio na Europa, ainda se faz perceber como vestígio do romantismo revolucionário da década anterior. Com grande força gráfica, O Santo Guerreiro contra o Dragão da Maldade foi o primeiro longa-metragem colorido de Glauber Rocha. Affonso Beato assinou as imagens, impactantes e bem ao estilo de um western nordestino. Como alguns autores apontam, um novo estilo surgia ai, já desde Deus e o Diabo na Terra do Sol. O neo-western.

Os dialéticos 99 minutos defendem direta ou indiretamente nas falas de algumas personagens, como as do professor, as idéias revolucionárias, de apoio a reforma agrária e possibilidades de amenizar as desigualdades sociais. A versão original do filme havia sido semi-consumida pelas chamas de um incêndio. Os retalhos restantes se juntaram numa reconstituição salvadora com as cenas de uma cópia francesa e os áudios de uma cópia cubana. Daí os trechos com legendas no idioma voltariano.

Há uma troca constante de papéis entre bem e mal. Como indica o próprio título, a trama se pauta no constante questionamento do maniqueísmo popular, edificado na cultura e nas vivências diárias do povo. A figura do Dragão (mal) a priori é personificada por Antônio das Mortes, sendo posteriormente transferida para o Coronel, opressor, latifundiário. O mesmo acontece com o bem que se cristaliza no cangaceiro, Coraína. São Jorge, ai aparece como um negro, fugindo da figura europeizada cristã. A imagem de santo guerreiro transfere-se então para o professor, mesmo bêbado e melancólico, possui a verdade libertadora e abre os olhos do povo para a dominação.

Toda esta construção dialética reproduz a própria Cultura, revelando como ela está sujeita a constante transformação, não sendo algo imutável, sólido, eterno. Mostram-se ai também os conceitos de moral e justiça de Antônio das Mortes, líder neste movimento. Conceitos contraditórios – contradição presente nos próprios pensamentos de Glauber com relação aos valores sociais -, pelo menos em relação aos padrões de um sertão arcaico ou da sociedade contemporânea ocidental.

No “delírio do faminto” – conceito de Ivana Bentes - O Santo Guerreiro contra o Dragão da Maldade é considerada por muitos a obra-prima de Glauber. Exalta o antropofagismo da estética da fome, experimentando as porções de cultura sertaneja com os elementos do cinema novo. Antônio das Mortes é exaltado internacionalmente. Mais um exemplo do anti-herói que chama a atenção e agrada. Glauber é mestre nessas criações.

BARRAVENTO - Rocha dura em água mole. Tanto bate até que choca

2010-09-18T09:37:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Firmino ama Naína, mas se atrai por Cota, que ama Aruã, que ama Naína, que também ama Aruã. É esse emaranhado conflituoso de relações que impulsiona e culmina no Barravento. O mar como gerenciador leva à aldeia as cobiças de Iemanjá. Aruã é da deusa das águas e de nenhuma outra mulher. Desejos desrespeitados, aldeia castigada. O não assentimento à essa lógica imputa medo. A película se desenvolve a partir da indagação da deusa_mar, mas também com uma narrativa construída sobre essa mesma deusa. Seria possível enfrentar o patrão_opressor, dono da rede ou “o direito do homem pobre é o trabalho” como é levantado em uma das cenas? Não seguir a tradição, afixada pela deusa das águas há gerações e bater de frente com Janaína poderia trazer conseqüências? Tais questões norteiam o primeiro longa-metragem de Glauber, lançado em 1962.

O preto e branco até poderia tentar homogeneizar a mistura. Não conseguiria. Aquilo que Glauber quebra na trama de Barravento também reforça o encantamento do misticismo e das vivências afro-brasileiras. Rodas de samba, capoeira, macumba, ritos, sacrifícios. Elementos culturais, que surgem para contemplar a nova realidade do negro no Brasil, são utilizados para tecer a narrativa. Expressão afro-brasileira à exploração e marginalização.

Ao mesmo tempo, o diretor apresenta o misticismo como forma alienadora e corrente cerceadora da luta popular subversiva. A principio, o romance que seria dirigido pelo amigo, Luís Paulino, ganha asas de revolução. A mão glauberiana transforma Barravento, como tudo aquilo que toca, em arte crítica, cinema novo.

Firmino, o Exu personificado por Antônio Pitanga, figura mítica afro-brasileira, anuncia os desejos já escritos dos deuses-orixás. Aos pescadores, cabe então apenas conformar-se e entregar-se às vontades de Janaina, rainha das ondas. Glauber parte do mito para o seu próprio enforcamento. A cultura popular é encarada na obra, não somente como alienação, como também instrumento de resistência. A crença, controladora dos mais distintos aspectos da vida da aldeia, além de desencadear um modo de vida próprio, se apresenta como incultura de sobrevivência. Amor, vida e meio social rasgam as relações - tal como estavam pontificadas - no ápice que dá nome ao filme. O Barravento. Aruã desafia as forças sobrenaturais quando sobrevive ao despacho de Firmino, quando se entrega à Cota às vistas de sua mãe do mar e quando foge com Naína.

É o cinema mostrando, pela década do romantismo revolucionário, que pode reproduzir, contestar e mostrar as opressões do sistema. Como disse Jean-Claude Bernardet, em 1963: “Esse amor à vida é raro no cinema brasileiro (...)”. E parece que ainda hoje, continua sendo escasso. Mais filmes como os de Glauber.

GRANDE SERTÃO VEREDAS – Infinito e universal seguem se derramando sob os pés que lhe sacodem a poeira e os sentimentos

2010-09-10T17:47:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

E foi sob a direção de Geraldo e Renato dos Santos Pereira que a obra de Guimarães Rosa passou para a película pela primeira vez. Com uma fotografia peculiar para a época e a narração do personagem principal, RIobaldo, o sertão se faz “do tamanho do mundo”. É nesse espaço, sempre marginalizado pelos costumes agrários e atrasados, que a exemplo das páginas de Rosa, o filme exalta o ecossistema. Veredas e chapadões, que pegam pedaço da Bahia, seguem pelas Minas Gerais e findam no norte e nordeste de Goiás.

Nas primeiras cenas, depois de contar um bocado da sua história, Riobaldo se veste de narrador. “O sertão é do tamanho do mundo... Sertão é o sozinho... é dentro da gente.... é sem lugar”. A partir desses aforismos e da beleza seca de cenas, em que tem o sertão sob as cavalgadas, Riobaldo prepara o expectador para apresentar cada personagem, narrar as pelejas entre jagunços, e pôr as vistas as medidas de honra do sertão.

Exemplo de procedimento da ordem sertaneja é visto na cena em que Zé Bebedo diz a Riobaldo que nunca se sente em cadeira de costas para a porta.

Amor sertanejo, platônico

Escrito em 1956, e só filmado pela produtora Vera Cruz em 1965, Grande Sertão: Veredas, trata do universal pelo regionalismo. Riobaldo, o Urutu-Branco, é o narrador e protagonista da trama. Num épico de guerras e amor, o personagem principal se apaixona pelo colega jagunço, Diadorim.

A impossibilidade de concretização atordoa Riobaldo e dá o tom platônico ao romance. Diadorim é ferido em confronto. Ao investigar o ferimento, Riobaldo descobre que o filho do chefe do bando, por quem está apaixonado, é na verdade uma mulher.

Nas cenas em que Diadorim dialoga, seja com seu pai ou com Riobaldo, há sempre o desejo expresso por eles de abandono daquele papel que ela assume, travestindo-se de jagunço. Os homens que a amam e conhecem seu segredo, querem vê-la caracterizada de “mulher”. Mesmo posta à imagem rude, roupas de couro, em meio a poeira e aos trabalhos do sertão marmanjo, Diadorim não deixa de atrair o desejo de Riobaldo. O que se coloca aí como intrigante, o instinto vencendo as aparências. Nas falas e ações, ela exige igualdade e não se submete a fragilidade que dizem pertencer ao feminino.

As batalhas travadas, o fim do que não foi

Como num western do sertão mineiro, a rudeza dos cabras se mostra nas batalhas que sucedem. As traições levam a combates. Num primeiro momento, Joca Ramiro lidera um bando de jagunços, ao qual Riobaldo se junta. Tendo como platéia a vegetação sertaneja, o grupo enfrenta os soldados do governo conduzidos por Zé Bebelo. Apreendido e julgado pelo grupo de Ramiro, Bebelo tem liberdade em troca da promessa de ir embora para Goiás. Depois disso, Hermógenes e Ricardão, escondidos do seu próprio grupo, propõem a ele trair o grupo e dominar o sertão sob sua chefia. Bebelo passa os brios na cara de ambos e vai embora sem aceitar.

Num segundo momento, após o assassinato de Joca Ramiro por Hermógenes, Bebelo volta a comandar os jagunços daquele que o libertou, junto de Riobaldo e Diadorim. Depois de fazer pacto com o Demônio numa noite de encruzilhada, Riobaldo mata Bebelo e se faz líder do grupo. Seguem para vingar a morte de Ramiro. Numa sacada de facas, no cotejo final, entre Diadorim e Hermógenes, ambos morrem.

Desolado, Riobaldo vai pra longe, pro “fundo do sertão... esses Gerais, as lonjuras...”, fugindo dessa vida de luta e guerras que tiraram sua quietude e sua amada Diadorim. O filme não mostra o final que o livro prepara, o casamento de Riobaldo com a mulher que sempre amou, Otacília.

“Furei o sertão. Sertão é isso, você empurra pra trás, mas ele volta a rodear o senhor pelos lados”. A ideia de infinitude que Riobaldo coloca no inicio do filme, pode se apresentar mesmo nessa reconstrução da vida, expresso nas lembranças que sempre hão de acompanhá-lo.

Se a priori, a natureza se encarregou de forjar o sertão: veredas, Guimarães Rosa reconstruiu esse mesmo sertão em prosa e sentimento, usando a linguagem para fazer brotar na imaginação do leitor essas terras caipiras. A tarefa de passar pelo menos parte das 600 páginas de venturas agrestes ao expectador foi cumprida pelo filme de mesmo nome, que deu o tom não de grande, mas de infinito sertão.

CARAMURU - “Aqui nessa casa ninguém quer essa sua boa educação”

2010-09-05T09:34:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Tratar conflitos de forma bem humorada e evidenciar contradições em ditames da sociedade moderna parecem ser o ponto alto de Caramuru. Ao readaptar o gênero série, amenizando uma hora de duração, Guel Arraes quase consegue livrar-se do formato televisivo. Embora as graças não sejam tão fortes, elas acompanham suavemente o decorrer da trama. O choque de culturas, vestido nas alegorias presentes no romance, elucidam pedaços da História, contada de cima, de forma lúdica e apontadora. Tenta romper certos conceitos acerca de determinados valores. Algumas vezes consegue, outras não. Inversão e paralelo caminham nas cenas entre as terras do Novo Mundo, férteis em sementes e prazeres e as pequenas e multiplicadas regras diárias de uma metrópole como Portugal.

Ainda que a crítica abstenha-se à nuances superficiais, essas aparecem relevantes e podem abrir margem para a colocação de elementos subjetivos que proporcionem interpretações mais aprofundadas. Os personagens, grandes hipérboles das figuras da mitologia tupiniquim, gracejam com o roteiro posto de forma demasiada regular.

Embora com uma imagem anedótica e distorcidam,o povo primitivo, indígenas, coisificam a malandragem e personificam o caráter simplório e preguiçoso. Mesmo postos assim, os “índios” dão margem à observação de antíteses na cultura ocidental da época e que permanecem até hoje como hábitos sociais cristalizados. O espírito de inocência_malícia e o ar inquieto_inquisitor de Paraguaçu vão descortinando as contradições citadas anteriormente. Traição, amor, casamento, ambição, materialismo. São invenções nos dadas pelo homem branco? Ou são conceitos meramente ilustrativos da nossa rotina, vividos há séculos, e que coercitivamente nos prendem numa ótica de vivência segundo uma lógica pré-determinada? Quem vive melhor? Se é que é possível abrir a questão no ego inchado da cultura ocidental, com seus arrotos de grandiosidade e avanço. Talvez Caramuru também tenha suas raízes nesses contestamentos. Ainda que de forma tacanha.

PATATIVA DO ASSARÉ: AVE POESIA - Dar asas à ave. Dar cultura ao povo

2010-09-01T09:27:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

E foi assim. O interiorano, homem simples, que teve acesso aos livros, tanto impressionou por seu talento. Criticou, questionou, produziu, criou. Arte. Versificou brilhantemente os costumes, os contextos, as histórias. De amor único, as dores comuns de sertanejo poderiam tornar, além da pele, seu coração duro, carrancudo. Optou por ser literato, falar pro povo, do povo. Cordelizar. Rosemberg Cariry traz a vida do poeta-ave nessa obra de 84 minutos. E enfatiza seus atos políticos, pouco explorados. Desmistifica assim a imagem do intelectual acadêmico como único protagonista na expressão de desaprovação do Regime Militar brasileiro.

Personificação do saber popular que pôs as vistas sobre as letras eruditas, Patativa fundiu a ambas, hibridizou-se. É nesta perspectiva que o diretor cearense aponta as construções da poesia de Patativa do Assaré. Na fala, escondida sob os grandes óculos negros, simples por opção, os calos sociais viravam estrofes cantadas. Belas.

O filme, além de homenagem ao homem, de nome emprestado do pássaro e da cidade, exalta a condição de Antônio Gonçalves da Silva. Seus temas recorrentes são embalados pelas toadas de sua autoria. Êxodo rural, reforma agrária, mazelas suas e do seu Nordeste, são cantados pelo poeta em planos emocionantes. Como na cena em que Patativa narra a morte da Pequena Nana, sua filha-tesouro, banhando seus olhos e, possivelmente, os dos expectadores de lágrimas.

“Porque é bem triste a sentença,
de quem perdeu na existência,
o que mais amou na vida.
Já tô velho, acabrunhado,
mas em riba deste chão,
fui o mais afortunado
de todos os fio de Adão.
Dentro da minha pobreza
eu tinha grande riqueza,
era uma querida fia.
Porém morreu muito nova
foi sacudida na cova,
com seis ano e doze dia...

A fome, latente nas letras-faladas de Assaré, é explorada concreta. Apesar de ser vista como abstrata, pode ser sentida na dor de cada poema. Ter o poder de comover até mesmo quem não compartilha dos problemas contados, é lugar-forte dos grandes escritores. E Patativa se inclui neste grupo, com a linguagem do campo, é então, poeta desterritorializado, que serve com seus versos ao trabalhador. Traz o discurso-denúncia do sofreres do êxodo, da família que corre fugida da seca pra compor a massa explorada dos grandes centros Urbanos.

“Diante da terra
tão seca mas boa
sujeito a garoa
a lama e o Paul
é triste se ver
um nortista tão bravo
viver sendo escravo
na terra do sul”

É poesia louvável, pra ser comida com a fome do sertão. Ave poesia. Que bate as asas ainda e demonstra a prova-exceção, que poderia ser mais regra.

CÃES DE ALUGUEL - Os diamantes no fim do arco-íris

2010-08-30T09:50:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Blonde, Brown, Orange, Pink, Blue. Não, não estamos ensinando as cores em inglês. Esses são os pseudônimos dos personagens de Michael Madsen, Quentin Tarantino, Tim Roth, Steve Buscemi, Edward Bunker, respectivamente, em Cães de Aluguel. Vigaristas, amigos, ladrões especialistas. Pelo menos até o grande assalto de diamantes pensado por Joe Cabot (Lawrence Tierney). A polícia aparece logo após o assalto. Tudo é mostrado pelos diálogos e vários flashbacks no decorrer do filme. A partir do Armazém onde os ladrões, que desconhecem tudo um sobre o outro, inclusive o nome verdadeiro - daí as cores - se encontram. Onde estão os diamantes? Surge a suspeita que um dos senhores-cores seja um traidor. Já que a polícia já os esperava. Aparecera rápido demais. Conflito interno.

Tarantino vai mostrar na trama seus dotes na direção cinematográfica. Ele tinha em mãos um orçamento considerado baixo para um filme policial norteamericano: U$ 900 mil. Lhe restou a criatividade. Usou. Sangue, velocidade e diálogos profundos bastaram. A primeira cena já é reveladora. De personalidades, afetos e regras do jogo. O policial disfarçado, Mr Orange, já não evita mostrar seu senso de humanidade com relação às gorjetas da garçonete.

Com um final surpreendente, o traidor somente se mostra no fim do filme. Encharcado de sangue e à beira da morte. O drama e a ação vão ser as roupagens centrais. O que não impede que a obra se calce de humor e pitadas de um tom enigmático, buscando se tornar completa. Além do viés social, e das conversas que expressam-se analíticas e opiniosas a respeito da vida, da sociedade e dos homens. Eles são cães de aluguel. O enredo comprova que ser fora-da-lei é perigo. E nem sempre isso é ruim.

TRAINSPOTTING - Por outras águas, correntezas prazerosas que espedaçam barcos nas pedras

2010-08-27T15:40:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

É ao som de “Deep Blue Day” que acontece um dos ápices da trama. Renton protagoniza a cena de nojo-encantamento, paralelo traçado com o universo onírico das drogas. É como se o banheiro fétido, o vaso cheio, compondo o cenário de isolamento, horror, podridão, fosse a situação de necessidade da droga. A metáfora aflora, quando o jovem em estado de total torpor, mergulha privada adentro em busca da substância encapsulada. A cena que pareceria fake, não soa assim. O mergulho em águas profundas, azuis, cristalinas é levante de prazer e excitação.

Do mesmo diretor de Quem quer ser um milionário, Trainspotting ilumina o afundar nas drogas da forma menos conservadora que os anos 90 precisava. Marco do cinema, e consecutivamente de uma geração, o filme apresenta uma versão distinta das anteriores, permeadas de moralismo. Etimologicamente, o termo que dá nome ao filme significa para os ingleses uma brincadeira de jovens. Na Inglaterra, grupos de amigos competiam nas estações anotando horários das chegadas dos trens. Em seguida trocavam essas anotações. Nesse sentido, não há nenhuma relação direta com os conflitos da trama central. No romance homônimo de John Hodge, a partir do qual a película foi inspirada, os laços de amizade do grupo de amigos, viciados em heroína, são mais evidenciados. Talvez parta dessa relação de juventude, companheirismo e vícios.

As vertigens são sensoriais. O expectador afunda junto com o personagem em cenas como a do tapete. A overdose se torna coletiva. O desespero da abstinência, que vem acompanhado das alucinações, incomoda, transporta, desola, inverte. Não somente o chão e o teto, como também, valores e a falta deles, o sofrimento e a ausência de sentimentos.

Monta-se em Trainspotting , o começo e fim na perspectiva de ciclo, no qual todos os elementos da lógica do cotidiano são negados a priori e reconhecidos e assumidos no final, então começo de tudo. Auge, amadurecimento, tomada de consciência. A partir do ponto fim_princípio , tudo que não se queria ter torna-se a busca motivadora. Símbolo da resistência perante o vício-prazer, o personagem segue a caminho da normalidade, acreditando que agora ela existirá. Pelo menos para ele.

O SELVAGEM DA MOTOCICLETA - que é preciso destacar: as emoções, as cores, os momentos

2010-08-06T17:51:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

“O daltonismo (também chamado de discromatopsia ou discromopsia) é uma perturbação da percepção visual caracterizada pela incapacidade de diferenciar todas ou algumas cores, manifestando-se muitas vezes pela dificuldade em distinguir o verde do vermelho”. Coppola transforma a patologia visual em arte. Pode. Os peixes de brigas, que dão o tíulo original do filme, se destacam na cena. Levam o “selvagem da motocicleta” ao seu fim.

Mesmo com os cortes abruptos de cena, o mix de drogas, juventude e sexo tão explorado pelo cinema é trazido de forma diferente. Cai uma geração. Outra, sem rumo, tem como heróinas a confusão e perda de identidade. Na trama, o jovem Rusty James (Matt Dillon) vai entendendo e deixando de entender. O fim das gangues, a partida e retorno do irmão e o amor pela namorada.

A briga no metrô dá ao iníciodo filme o movimento, que naõ percorre o decorrer da película. Quando James leva a facada, fantasia e realidade se mesclam. “Vida esquisita essa de vocês", retruca o pai bêbado. Os filhos, reflexo do fracasso, na vida, no casamento e no trabalho do pai. O relógio, que vagueia em muitos momentos da história, denuncia.O tempo perdido e aquele que ainda não se perdeu. A fumaça também dá certa áurea transcedental. Seria a juventude, a transitoriedade, o fugaz.

No filme é possivel entender, como em nenhum outro, porque o cigarro era sinônimo de charme. Mickey Rourke interpreta o irmão-herói de Rusty James. O ar feminino e maduro dá a tranquilidade que inquieta o caçula. “Até nas mais primitivas sociedades há um certo respeito pelos insanos”, argumenta. Era insano, capaz. Cansou-se. De tudo. Talvez o melhor fosse mesmo o que viria a acontecer. Ele esbraveja calmamente ao irmão, em birra-confusão: “eu não posso ser o que você quer mesmo que eu morra por isso”. E assim acontece.

BOLEIROS - Futebol. Era uma vez...

2010-05-06T15:40:00.000-07:00

Por Alan Regis Dantas

Não se podia colocar um título mais apropriado para algo que soa tão mágico quanto às histórias infantis de nosso tempo. A bola causa um fascínio no garoto brasileiro desde a percepção do chute, do abraço com ela, do cabeceio. Boleiros conta o que está na essência encantadora do esporte no Brasil através do papo entre velhos atores do espetáculo futebolístico que revelam as nuances e os toques especiais da memória do jogador.

Os causos se sucedem durante o filme: o futebol é feito de histórias. Desde as mais hilárias, que envolvem o juiz “ladrão” até a tristeza do craque mirim perdido para o tráfico nas grandes cidades do país. Além da majestade atribuída aos craques que já penduraram as chuteiras. Seria um resquício de nosso pensamento colonizado, de monarquia, que vem à tona despercebido nos célebres mestres da pelota?

A Mídia. Essa sim a grande transmissora da paixão nacional. Rádio, TV’s e agora a internet se fixam cada vez mais no seio do esporte no Brasil. Durante o filme podemos perceber a idolatria do jornalista disputando com a informação, de maneira “imparcial”. A imprensa é usada para mediar outros interesses. O âncora quer aparecer mais que o atleta? Isso é absolutamente corriqueiro.

Esses e outros aspectos são tratados com precisão pelos diretores e atores que reencarnam os personagens para trazer ao público leigo aquilo que realmente faz do futebol brasileiro tão cheio de graça, diferentemente do frio e calculista jogo inventado pelos ingleses. Nosso país reinventou a bola no pé e Boleiros é um retrato fiel e a condensação dessas percepções.

CINE TAPUIA - Iracema sertaneja: caminhos do cinema

2010-04-28T17:29:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Como seria a virgem dos lábios de mel, se nascida no sertão, ainda indígena, passeante, mambembe, num cinema que vagueia pelas comunidades, enchendo os olhos daqueles que não teriam acesso à sétima arte? O pai cego, Araquém (Rodger de Rogério) orienta a filha pelas estradas da vida e das cidades. O que não funciona muito bem, pois o velho bon vivant estrangeiro, colonizador português - Martim (Luiz Carlos Salatiel)- larápio ludibria a pobre moça. Ela, e mais vinte como Iracema (Myrlla Muniz). Enquanto a barriga cresce, Iracema continua com o pai a cantarolar belas e populares cantigas, que são trilha para os filmes exibidos pelo pai. Essa é a roupagem que Rosemberg Cariry dá ao romance de José de Alencar. Uma tentativa de mostrar que o cinema cearense pode sim ter sensorialidade rústica e qualitativa. Mesmo com a pobre interpretação do casal da trama, o filme transporta o leitor ao ambiente cultural e de foco documentário e emotivo que o diretor parece querer passar. Já a forte atuação de Rodger de Rogério dá o tom do romance, todavia não em semelhança a majestosa obra alencarina.

O tom de tragédia ministrado no enredo se mistura aos aspectos crítico- documentais, dando uma relevância gigantesca a obra. Culturalmente, Cine Tapuia é proeminente no sentido de que carrega o expectador ao espaço de homenagem ao cinema brasileiro através da valorização regional. Quando usa-se de trechos de obras de Eisenstein, Glauber, Kuleshov e do próprio Rosemberg Cariry, combinados aos contextos nos quais esses filmes são projetados, o diretor considera a verdadeira essência do cineclube, o caráter da coletividade. Além disso, na linha que se traça, os encontros com movimentos e comunidades reais acham-se na ficção. A luta diária,contempla-se na parada no acampamento do MST (Movimento dos Trabalhadores Rurais sem terra). Os depoimentos são legitimadores.

Ao longo dos 82 minutos de filme, as cenas de mostra da cultura cearense percorrem desde a festa do pau, aos shows em Quixadá e culminando com as romarias em Canindé. Até o nascimento solitário de Moacir, filho da virgem enganada, típico brasileiro, fruto da miscigenação enganadora, a trama perde qualquer traço de semelhança com a obra a qual pretendeu dar nova leitura. A cena final, cíclica, no mar de horizonte-sem-fim no qual o cego vê e se perde na imensidão do que imagina pelo que escuta do mar. É marca do incessante, onde o céu que pertencera ao sertão, agora é do oceano, nas vistas do cego. A velha lenda do alagar, que o sertão vai virar mar é enovelado pelos muitos mitos de vida de quem da região vive e sonha.

CORISCO E DADÁ - Do sol, da terra, do sertão: o amor de Corisco e Dada

2010-04-16T10:06:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Ódio no rapto da família, da inocência. Sérgia Ribeiro da Silva. Menina – treze anos - teve que virar mulher. Do sol, do cangaço, do diabo louro. “Que foi? Parece que viu o tinhoso”. Havia. A boneca no saco, colocada pela brutalidade de Corisco. Não conhecia a vida. Conheceu o sofrimento. O amor desabrochava quando necessário. No mais, ficava feito mandacaru, guardado, leitinho, pra escorrer doce na seca mais forte. As correrias, os quatro filhos perdidos nas balas dos macacos de volante ou pela vontade do Senhor. Só três sobreviveram. Calor de Sertão. O Beato abençoara um deles. Não funcionou por muito tempo. Dada tratou de engrossar os couros. Acampada pelas securas do agreste, nômade, coração andarilho. Corisco gostava dela, do seu jeito, mas gostava. Ensinara Dada a ler, escrever e atirar. Ficou por aquela vida, a bichinha, rainha dele no fundo, via-se. Engrossou mesmo o couro. Vestiu-se mulher do bando. Tornou-se, como todas as outras e outros. Era amiga, comadre de Bonita, a Governadora do Sertão. No sonho de uma noite vislumbrou o anjo-mar – coisa distante por ali – de vestes de rede. As cabeças de seus compadres, chefes, nas mãos do anjo. Dada pressentira. Queria vida melhor. Preferiria as verduras do centro do país à ressequidão do Nordeste sem rumo.

Havia tempo que os macacos buscavam por quem agora era seu amor. Mesmo máquina da morte, de mãos secas, cujo brilho dos olhos perdera junto com as tantas vidas que tirou. Mesmo separando-se do bando de Lampião., permaneceram amigos, compadres. Na teima por ficar dali, por ali e com isso, o tiro. Não se entregou. Fugiram para uma casinha nos galhos secos, com a menina, afilhada. Novamente a volante, os tiros. Dada não deixou que tirassem a cabeça fora, como as dos outros cangaceiros, de Maria, Virgulino. Arrancou a própria perna. Precisava dar algo a eles. Somente anos depois Dadá consegue enterrar a cabeça do bruto amado. O corpo fora enterrado em Jeremoabo, na Bahia.

A fotografia poética e os versos que compõem o roteiro rústico e real de Cariry embelezam a aridez do sertão que do bege quase fica verde. Um filme que faz palpável a quentura nos olhos dos personagens. Rosemberg homenageia um mito popular, que às vezes permanecia à sombra do mito maior, Virgulino. O romance bruto do cangaço. Tinham corações arranhados pelos muitos mandacarus dos caminhos, mas seguiam. Coragem. Com as mortes de Lampião e Corisco, o cangaço deixa de passear pelas estradas secas do Nordeste. Some uma tradição.

O DISCRETO CHARME DA BURGUESIA - O charme inabalável

2010-03-31T17:28:00.000-07:00

Por Alan Regis Dantas

Divertido. Bem humorado. Sarcástico. De que maneira poderíamos a trama de Buñuel em O Discreto Charme da Burguesia? È difícil. A burguesia. Sim, ela sempre tão presente. Tão amada por uns (como acontece aqui no Brasil) e odiada por outros, torna-se piada de riso fácil em um dos filmes mais importantes do século XX.

O Surrealismo. Como explicar que fatos tão bizarros possam acontecer na hora do jantar? O desejo, o espetáculo, o terrorismo e até um policial fantasma surgem para impedir que essa discreta burguesia tenha um momento de confraternização. Enquanto um personagem acorda do pesadelo, já se encontra dentro de outro. O diretor brinca com a montagem da trama.

Traficantes de marca maior esses colarinhos brancos acabam não passando de ingênuos criminosos e viciados. Uma curiosidade. Na época de seu lançamento no Brasil, durante a ditadura, uma das frases foi cortada. O militar oferecia maconha e dizia: "então, é por isso que no Vietnã bombardeiam tantos lugares errados!".

Contudo o diretor quer passar uma mensagem. Boa ou má: A verdade é que essa classe burguesa nunca deixará de existir. Por mais que se tente e se pense o contrário, o seu charme, vaidade e ganância estarão sempre à mostra no seio da sociedade do capital. Estaria ele fazendo referências críticas socialistas? Buñuel era socialista? Talvez sim. Vamos pensar...

LADRÕES DE BICICLETA - A vida laboro

2010-03-23T09:41:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) atravessa tempos, culturas, nações. É personagem luta, símbolo, sofrimento. Operário da família, dos dias, do sistema. Encarna a alegria singela do desencantamento. Ao lado do filho Bruno (Enzo Staiola), encanta. A rica pobreza do homem que busca o prato. O que pareceria comum se transforma numa das tramas mais emocionantes da história do cinema. O roubo da bicicleta. Não pode lutar contra a inércia do mecanismo que controla, mantém. Deseja humanamente o trabalho sobre as duas rodas. E todas as migalhas que os patrões oferecem como vantagens. O abono familiar faria Bruno feliz. Aceita. O mesmo destino que lhe deu a sorte de ser tirado da massa de desempregados napolitanos no pós-guerra, levou suas rodas embora.

Um filme que trata da sociedade que exclui e do ser humano como fruto inerte diante de decisões maiores, vindas de artífices ocultos, propositalmente desapercebidos. A incrível e neo-realista capacidade de mostrar o banal que é subsistência. O homem proletário, arrimo de família, que enfrenta com o filho o desdém da burguesia que come às custas dos seus. Na cena em que Antônio e Bruno estão no restaurante, isso se faz evidente. Desde criança se pratica e se sofre os preconceitos de classe. A dupla esfarrapada, de única refeição, contrasta com a família de mesa cheia de margueritas, pizzas e sordidez. No decorrer da busca pela bicicleta perdida e esperanças arrancadas, pai e filho mergulham no mercado negro das bicicletas, perseguem um velho, vagueiam na chuva. Talvez seja nesse último momento em que a emoção do espectador seja mais depositada nos semblantes dos personagens. Rotos, sombrios, molhados, na lama do chão e da vida, seus olhos caminham sem saber o quê e como fazer para recuperar o que nem podem imaginar onde esteja.

Nos instantes finais da película, Ricci se faz desespero. Mãos na cabeça, incertezas. Há algo parado à uma porta que o chama, dizendo que ele pode recuperar o emprego, a alegria e o sustento da família. Consuma. Rouba uma bicicleta, mas é pego. Agora Ricci é vergonha. Sua face treme diante de Bruno. Não o prendem, por piedade. Não sabem de nada. Ricci não é ladrão de bicicletas. Mas já não adianta tentar explicar. Há muitas coisas por trás disso. Ele chora. Nós também.

OS INCOMPREENDIDOS - "O Incompreendido"

2010-03-11T16:57:00.000-08:00

Por Alan Regis Dantas

Os Incompreendidos marca a estréia de François Truffaut no cinema de longa-metragem. Uma obra que se estabelece também pelo traço emocional que está veiculado a cada cena. A infância de Antoine Doinel, garoto de país irresponsáveis da Paris do final dos anos 50, rende algumas reflexões importantes a respeito de valores que são transferidos através das gerações.

Quem nunca, na infância, se deparou com o questionamento das ações adultas? Os país estão realmente certos o tempo todo e tudo podem com os filhos? O que se passa na cabeça de um garoto que observa a traição da mãe? O preto e branco ajudam a visualizar as reações de um pequeno que não queria nada mais do que conhecer o mar e fugir, desaparecer de um mundo alimentado por dor e ressentimentos. Distante de tudo isso a fuga frustrada ainda lhe rende humilhações e a antiga gráfica do tio serve de abrigo e refúgio.

Doinel perde a infância. Roubos, rebeldia. Certas cenas mostram imagens do divertimento infantil e inocente em contraste com um menino fumante, um homem. A cadeia pelo roubo de uma máquina de escrever parece simbolizar a perda da própria liberdade de expressão. A única saída é a educação militar. Mas é justamente esse o momento em que ele rompe as correntes e corre para o fim.

A praia. Cenário aberto, límpido. Diferente dos ambientes internos e apertados mostrados durante o filme de 1959, o mar é o palco da liberdade. O final surpreende àqueles que queriam algo mais. Mas arte é “causar sensação”. Deixar o sabor do incompleto parece ser o fascínio da obra de Truffaut. E é isso que faz de Os Incompreendidos um clássico da nouvelle vague.

ZELIG - O que ele mais queria era ser aceito...

2010-03-04T13:58:00.000-08:00

Por Sâmila Braga

Mudar para ser aceito. Quem nunca tentou que atire a primeira pedra. Esse era o drama de Zelig, vulgo Camaleão. Sua psicopatologia virou icone, camisas, músicas, capas de jornal, a cultura de uma época. A doutora Eudora Fletcher pega o caso do paciente que já passou por F. Scot Ftzgerald. Assim se passa a trama. Trajando as vestes de um documentário passado por volta de 1920 ou 1930, o enredo diverte-se com o gênero. O que seria chato vira a comédia encarnada por Woody Allen. Ele, multifacetado, assume o roteiro, a direção, o papel principal. As expressões, ou a falta delas, são ilariantes.

Especialistas convidados para mentir uma quase verdade. Nomes que pesariam em qualquer grande documentário, que buscasse retratar o real, ajudam a construir a engraçada história de Zelig.

Muito de psicologia, dos hábitos sociais, complexos. O desejo latente que cada um tem de se encaixar, de pertencer a um grupo, da construção do pseudo como forma de aceitação. Digamos que Zelig seja uma hipérbole desse desejo.

O filme de Allen ainda mostra como a sociedade encara as diferenças e busca pela igualdade. A mídia que informa com alarde transforma os menores fatos em espetáculo. Nesse caso, havia um grande caso, não foi preciso crescer histórias para vender jornais.

Mestre na sétima arte, o diretor mescla cenas de cinejornais de época e trabalha com a película em preto e branco para se aproximar do real, do histórico. O trabalho de produção proporciona a esses laços uma consistência sem igual. A tecnologia empregada vem de filmes anteriores, como Forest Gump. O realce acontece em cenas em que Zelig aparece próximo de Al Capone, Willian Randolph, Bobby Jones, Charlie Chaplin, o Papa Pio XI ou Adolf Hitler. É a magia de fazer rir ou chorar vindas dos grandes óculos de olhar caido.

CINEFA7 AO PÔR DO SOL

2010-02-26T16:47:00.001-08:00

A partir do mês de março de 2010 o CINEFA7 em parceria com a Centro Acadêmico Agerson Tabosa - CAAT realizará uma segunda sessão nas quartas feiras. Atendendo à diversos pedidos de estudantes que gostariam de frequentar o cineclube em outro horário, além das sessões às 11h20 os filmes serão exibidos também às 17h.

A programação de filmes não muda e o horário é ideal, pois não atrapalha aqueles que estudam no turno da noite da faculdade. Então está feito o convite. Venha curtir um bom filme no fim de tarde e ganhe em troca muita arte , horas complementares e concorra a filmes no Cadeira Cativa CINEFA7!

A FRATERNIDADE É VERMELHA - Os valores são humanos e vermelhos

2010-02-25T12:42:00.000-08:00

Por Sâmila Braga

Julgamento e valores. Esses são os temas centrais por que passeia Kieslowski na última trama da Trilogia das cores. As paixões do ser, a fraternidade vermelha, humana. Um juiz aposentado, com a experiência da vida e dos tribunais radioescuta vidas alheias, coincidências, acasos. Julga, subjulga, retira lições, aprende com o outro. Aprendera a tempos que o ser é vulnerável assim como ele. O erro dos outros pode ser julgado? Talvez indague-se. Essa quetão o consome . Julgar o erro rotineiramente, como profissão. Torturante. A trama persegue o encontro, o desencontro, o que podia ser e o que não foi. A amizade que se gera entre o juiz e a modelo, a partir do atropelamento da esperta cadela, dá margem ao aprendizado, à preponderações.

O que é certo? Quem decide? Moralmente condenável ou socialmente aceito? Verdade, culpa, valores. A subjetividade de cada um é o fator determinante.O juízo de fato ou o de valor? O que decide um caso, as questões, a vida? Uma obra reflexiva que discute vícios sociais e aponta para apreenssões humanas. O vermelho que figura em cada pedaço das cenas transborda ao som de uma trilha magistral. Irene Jacob interpreta a modelo e se acende como musa do diretor. A metafotografia que aparece em algumas cenas diverte e atrai. O comercial-arte do chiclete que faz parar carros e entrelaça histórias.

O final que reúne as cores anteriores só se faz claro para quem teve acesso ao azul e ao branco, num misto dos personagens de uma e de outra, o naufrágio congrega todas as tramas da Trilogia das Cores. Surpreendente, dá margem ao que aconteceria dali em diante. Simplesmente Kieslowski.

A IGUALDADE É BRANCA - Hoje tudo se compra

2010-02-10T15:56:00.000-08:00

Por Alan Regis Dantas

A comédia de Krzysztof Kieslowski em A igualdade é Branca se baseia nos vícios da espécie humana e na dor de um homem que não satisfez a esposa. Completamente destruído, ele ainda acha que tem esperanças com Dominique, mas o pior ainda estava por vir. O telefone gemia, gritava ao passo que Karol era destruído por uma casamento que não deu certo.

A montagem da trama passa por momentos onde não se sabe exatamente o que o homem está pensando: reconstruir a vida, esquecendo aquilo que passou e se libertar como fez Binoche (aliás ela pode ser vista no fundo da sala do julgamento do divórcio)? Mas nada disso. A Igualdade é Branca, sem vida ou emoções. Diante dela nenhum ser humano está tranqüilo.

Karol passa por experiências frias mata, morre, é espancado. Mas seu gênio e determinação permanecem ativos, cegos pela sede da vingança. Mais uma vez a morte é instrumento. Para “matar” Dominique ele primeiro acaba com a própria vida. Depois de ficar rico e se refazer, o seu plano final é surpreendente. Entrega toda a fortuna para mostrar seu desapego, planeja sua morte detalhadamente e monta a armadilha.

Ao voltar do enterro a vingança se consuma. Karol triunfa sobre o corpo da Dominique. Os dois envoltos em lençóis vermelhos se separam. Ainda não era o suficiente. A prisão de Dominique encerra a película de 1994. A frase que pode resumir a história também diz muito sobre o que somos todos nós: hoje tudo se compra!

A LIBERDE É AZUL - A dor palpável e azul

2010-02-03T10:25:00.000-08:00

Por Sâmila Braga

Tudo parece se acalmar. É como se nada tivesse acontecido. O azul entorpecente da piscina. A água da noite, congelante. Vir a tona, a realidade, o choque, a perda. Novos mergulhos de lágrimas que se misturam ao cloro. O azul. Julie vai passando, sem fazer nada. Conhece pessoas, gente, diferente. Assusta-se com a cria da rata. Quer eliminá-la. Não quer crianças por perto. Lembranças da maternidade que um dia já exercera. A filha e o marido se foram no acidente de carro. Ela sobreviveu. Será? Vai passando. A tentativa de suicídio frustrada foi o sinal da fraqueza. A liberdade de fazer. Não consegue, se diz fraca demais para isso. Além da piscina, passa a mergulhar na música com o homem que a ama a muito tempo. Foi seu remédio quando já não mais agüentava. Ele guardou as recordações, e comprou o colchão velho, último pedaço da casa, do passado de Julie. Queria chamar sua atenção, usou até a TV para isso, ocasionalmente conseguiu. Desejava trazê-la de volta a vida, ressuscitá-la, afinal, tinha 33 anos. Estava desprendida, livre. Já que “bens, recordações, amigos, vínculos, são tudo uma armadilha”.

Julie aprende que é preciso estar presa a algo. O mendigo/flautista lhe disse. Sua história se tece na dor palpável. Azul. Orquestrados pelo som da trilha sonora de Zbigniew Preisner, os fatos se impõem, imperativos como a música. A materialização acústica. As descobertas e retomadas. Kieslowski brinca e atrai com o que para alguns diretores são apenas recursos técnicos. As expressões dispensam as falas. Olhares, cenários e luz desdobram pensamentos, reflexões.

Compre a pipoca, o CINEFA7 está voltando.

2010-01-19T15:19:00.000-08:00

Depois de um ano muito positivo em 2009 o CINEFA7 estará voltando com força máxima para levar o melhor do Cinema ao final das aulas das manhãs de Quarta-Feira. Estamos preparando uma ótima programação para o semestre incluindo clássicos do cinema internacional. O cinema cearense também se fará presente com o grande nome de Rosemberg Cariry.

O Prêmio de Cadeira Cativa continuará sendo ofertado àqueles que participarem de todas as sessões do mês e que também poderão concorrer brindes. A participação vale como atividade complementar, são 2 horas extras de arte e conhecimento adquiridos a cada sessão, sendo certificadas.

Então não perca nenhuma sessão do CINEFA7 em 2010...aguarde!

NOVEMBRO DA CONSCIÊNCIA VERDE

2009-11-03T06:46:00.001-08:00

O mês de novembro do CINEFA7, é o último deste ano. Vamos falar da importâcia da consciência ambiental, visto as péssimas condições por que passa o planeta. Refletir, com documentários, sobre nossas ações e observar como ainda no século passado, o homem já não estava tão interessado em conservar os bens naturais da Terra.

Toda quarta 11h20, na sala 53B. Vale como atividade complementar.

SESSÃO HALLOWEEN

2009-10-26T15:35:00.000-07:00

Atendendo a pedidos dos alunos da comunicação, realizaremos no dia 29 de outubro, próxima quinta-feira, uma Sessão-Extra lembrando o Halloween, que é comemorado na sexta. Para tanto iremos exibir o filme clássico de José Mojica Marins o “Zé do Caixão”, A encarnação do Demônio. Assim como outros filmes este valerá como atividade complementar, mas não constará para o prêmio de “Cadeira Cativa”. Fica o convite para os cinéfilos do Terror. Quinta, 29 de Outubro, sessão Terror no CINEFA7, sala 53B às 11H20. Compareça.

NASCIDOS EM BORDÉIS - A Índia que não apareceria às oito.

2009-10-08T07:37:00.001-07:00

Por Sâmila Braga

Fustigante e límpido, o filme de Zana Briski e Ross Kauffman transporta quem o está assistindo para o distrito da Luz Vermelha, em Calcutá. A principio, o titulo, já enunciador, aponta mas não esclarece o que vem pela frente. Meninos e meninas, nascidos do pecado. Vestígios de uma sociedade milenar, economicamente ascendente, mas apenas para uns poucos abastados.

Shanti Das, Avijit, Suchitra, Manik, Gour, Puja Mukerjee, Tapasi, Mamuni e Kochi são os escolhidos de Zana, a fotógrafa. Nove histórias, e nove futuros que Zana quer ajudar a construir. Todos ganham por presente possibilidades-de-ver-mundo, ou mais especificamente, máquinas fotográficas. Ela incita e ensina os pequenos a vivenciarem os momentos através das lentes. Talvez em algumas fotos eles esqueçam a realidade na qual estão inseridos, para congelarem belos momentos, movimentos. Ou percebam em cada foto a sociedade, diferenças e injustiças que os cercam. A Índia pobre e explorada que a novela brasileira não mostra. As crianças que não podem estudar e fazem do trabalho forçado sua única brincadeira. E como as que o filme traz, são excluídas e permeadas de preconceito por serem resíduos de um sistema. De pele encardida, da sujeira da rua, de casa e do governo. “Olho por olho e o mundo continuará cego!”. A Índia que Gandhi já anunciara forrada de mazelas.

Avijit se destaca. Seu atilamento é o mais aguçado. Sensibilidade, astúcia e percepção. É incrível como o garoto descreve o trabalho da mãe e como conta que quando ela não recebia o pagamento, quem ia atrás dos homens era ele próprio, tendo de ser duro. Talvez esquecesse que é apenas uma criança. É reflexivo quando fala da foto que enquadra juntos sapatos e pratos sujos. A mãe morre queimada. Fica sem vontade. Mas recupera-se e vai para Amsterdã, representando seu país. Na conversa com as outras oito crianças, de diversas partes do mundo, demonstra sensibilidade ao analisar fotografias. Do grupo, é um dos poucos que seguem os estudos, por obstinação, queria ser médico. ‘’Fotografar... é colocar na mesma linha de mira... A cabeça, o olho e o coração’’, conceita Cartier-Bresson. Esses meninos e meninas fazem exatamente isso, mesmo sem a técnica fotográfica, batem fotos emocionais, emocionantes.

Para quem não teve a oportunidade de assistir, o documentário é tocante, e atribui novos conceitos e valores sobre criança, fotografia e a vida, em seus 85 minutos.

Criança no Cinema: Outubro no CINEFA7

2009-09-30T17:01:00.000-07:00

Neste mês de outubro o CineFa7 traz uma temática que desperta o interesse e a curiosidade sobre o universo e o imaginário infantil. Através das quatro exibições atravessaremos pelos elementos cinematográficos que trazem à tona a criança que há em cada um. Não serão apenas reflexões, mas uma tentativa de perpassar por tudo aquilo que a criança vivencia em suas comunidades, muitas vezes sem condições de dar aquilo que toda pequeno tem direto.

Nascidos em Bordéis pode parecer um título engraçado , mas para quem vive essa realidade, o mundo pode ser bem mais duro e cruel, nesse documentário que concorreu ao Oscar, a fotografia é um aliado para desvendarmos suas dores e percepções. Não se fala em criança sem se falar de animação. Como um gênero bem definido ganhou um festival que já é reconhecido internacionalmente, o Anima Mundi, ao qual vamos dedicar uma de nossas sessões. Ser e Ter nos faz ir à França para falar de pedagogia. A relação do professor com o desenvolvimento do aluno e do homem, compõe uma responsabilidade ética da qual os docentes não podem abrir mão. Os anos de chumbo do Brasil conviveram com a alegria da conquista do Tri-campeonato mundial de futebol no México. No aclamado O ano em que meus pais saíram de férias vamos viver com Mauro, de doze anos, a idílica viagem de seus pais e a convivência com o vizinho do seu avô, e dividir a tristeza da distância dos pais e as alegrias dos gols de Pelé em 1970.

Compareça ao mês da criança do CINEFA7 e faça uma viagem, através do cinema, pelos anos em que víamos o mundo com outro olhar.

DR. FANTÁSTICO - A Guerra Fria por Kubrick

2009-09-22T07:13:00.000-07:00

Por Alan Regis Dantas

Stanley Kubrick foi um dos diretores que mais prezou pela qualidade inovadora e crítica em seus filmes. Apesar de produzir poucos longas-metragens, sua obra é considerada um marco na historia do cinema mundial. Meados do século XX, a narrativa da comédia - de humor negro - de Dr. Fantástico gira em torno da disputa “quente” da Guerra Fria. Situações absurdas marcam a história de um encontro na Câmara de Guerra norte-americana.

Os ataques que ameaçavam dar fim a humanidade são interpretados de maneira alegórica pelos personagens criados pelo diretor. Um general paranóico decide atacar a Rússia levando o pânico aos governantes americanos, que convidam o chanceller Soviético para uma reunião. Quem está do outro lado da linha é o “inimigo” bêbado, uma sátira, talvez, à Vodca do país, um site da internet explica o filme:

“Dr. Fantástico era um filme destinado inicialmente a ser um thriller sério sobre a ameaça nuclear. A escolha pela comédia atesta o faro de Kubrick e seu instinto de vanguarda dentro do cinema, pois a condução da história até seu desfecho bombástico é apenas um dos aspectos mais geniais do filme, que não se leva a sério em nenhum momento.”

O Dr. Fantástico em si aparenta ser um alemão paralítico super-inteligente que desenvolveu a máquina do fim-do-mundo. Podemos deduzir que, enquanto Rússia e EUA brigavam por poder, a Alemanha , apesar de destruída e falida, ainda detinha maior inteligência e ódio contra todos os humanos. Pra quem não notou: Peter Sellers interpreta três papéis, dos quatro que estavam originalmente destinados a ele.

BOM DIA VIETNÃ - Uma aula de rádio no cinema

2009-09-14T08:13:00.000-07:00

Por Alan Regis Dantas

Muitos filmes já trataram do rádio como grande advento do século XX. Como grande nome temos Woody Allen, com o seu “A Era do Rádio”. Numa época em que os computadores e as comunidades virtuais assumem o papel de grandes educadores e informadores da massa, o rádio parece ser utilizado apenas para fins comerciais, com suas músicas e notícias superficiais não atraindo novos ouvintes.

A linguagem radiofônica se distingue da dos demais veículos, por estimular a imaginação e levar seu público a grandes viagens lúdicas. Adrian Cronauer (Robin Williams) se caracteriza como um verdadeiro artista da voz. Com sua graça e habilidade sabe exatamente como usar o rádio a fim de informar emocionando, apesar de todos os revezes enfrentados com a autoridade dos comandos militares.

Devemos lembrar, no entanto, que o ambiente era a guerra do Vietnã, onde todos os dias várias pessoas eram mortas, inclusive americanos. Como fazer graça dentro de um contexto tão cruel e devastador? Cronauer de alguma forma, não tinha o espírito daqueles generais que achavam suas transmissões bobas e sem graça, a todo momento fazia piada de seus superiores e até das altas autoridades americanas.

No fundo todos amavam aquele homem puro, que não levava ao ar aquilo que ia de encontro a seus princípios éticos, até mesmo sendo censurado em sua missão de informar. Ao fim do filme é marcante descobrir que na verdade ele é o inimigo daquele povo, que perdeu muitos cidadãos, mas resistiu a invasão de suas casas e venceu a guerra como na mais bela história épica.

SOB A NÉVOA DA GUERRA - Que curriculo têm esses dois: o país e seu antigo secretário de Defesa

2009-09-03T14:12:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

Mcnamara, o homem de ferro, que liderou a inteligência da máquina de possibilidades e realidade de ataques da máquina bélica dos Estados Unidos contra o Vietnã e qualquer um que se opusesse ao imperialismo ianque. Ou mesmo entrasse no caminho estadosunidenses. Robert Mcnamara, um homem polêmico na sua época de Secretário da Defesa do pais do Tio Sam, que resolve, talvez por desencargo de consciência trazer à tona, alguns dados daqueles tempos.

Sob a pele já gasta de aflições infindas da guerra contra uma potência vermelha ou um pequeno país, ele não deixa de lado o ar altivo e controlador. Diz que a Guerra que viveu não teve nada de Fria, esteve bem quente, e a ponto de explodir o planeta. Sabe que qualquer declaração sua ainda tem poder. Por isso mede as palavras, conta o que convém contar, mas conta mais do que já foi dito sobre a guerra do Vietnã e da crueldade – em números – do poderio norte-americano. Assim como, quando levanta o caso do bloqueio de Cuba e do quase ataque que ocorreu à ilha de Fidel. Explica que essa é a lógica da guerra. Para ele parece ser a guerra um grande jogo lógico ao qual teve que se habituar e tirar de lá seu emprego, suas honras, famas, dores e remorsos.

Mcnamara enumera as dez lições passiveis de serem seguidas por individuo, pais ou governo em estado de guerra. Seguem:

#1#

Cause empatia no inimigo.

#2#

A racionalidade não nos salvará.

#3#

Existe algo além de si próprio.

#4#

É preciso maximizar experiência.

#5#

A proporcionalidade deve ser uma diretriz da guerra.

#6#

Obtenha dados.

#7#

A crença e a visão costumam estar erradas.

#8#

Esteja preparado para rever seu raciocínio.

#9#

Para fazer o bem talvez seja preciso fazer o mal

#10#

Nunca diga nunca.

#Lição-extra#

Não se pode mudar a natureza humana!

Se ele sabe o que diz, isso ninguém sabe. Mas uma coisa é certa. Alguém com sua experiência em trabalhar com vidas disfarçadas de dígitos sabe jogar o jogo da guerra. Na época em que comandou a segurança da maior potência mundial fez história, e é essa história que Robert Mcnamara conta em Sob a Névoa da Guerra.

TEOREMA - A queda do capitalismo e da família moderna

2009-08-31T16:39:00.000-07:00

Por Alan Regis Dantas

O filme do clássico diretor italiano Pier Paolo Pasoline teorema, deixa muitas impressões, às vezes até confusas, para os que não estão habituados a acompanhar uma narrativa diferenciada. Após a sessão do dia 26 de agosto, muitos disseram: “Não entendi nada”. Na verdade, a temática tratada pelo italiano ainda na década de sessenta, época de gravação do filme, nos remete a uma crise do capitalismo e da estrutura familiar. Vivida em um dos hábitat’s onde a lei da igreja salta aos olhos: Roma, o jovem hóspede da casa dos burgueses capitalistas, revela o que cada personagem esconde por trás da máscara do conformismo: Uma filha louca, uma mulher insatisfeita, um filho que esconde sua felicidade, e uma empregada... “santa”. Cito Giovanni Alves em uma análise do Filme escrito para o site Tela Crítica:

“Teorema” é um drama familiar que expressa, em si, de forma alegórica, a tragédia da sociabilidade burguesa em crise terminal. É a partir da presença – parousia – do hóspede misterioso, que cada personagem nega (e afirma, ao mesmo tempo) a si próprio.

Para se fazer entender (ou não), Pasolini se vale de uma concepção fílmica que confunde o raciocínio lógico do espectador desavisado, cenas iniciais que representam uma “deslinearização” da história, ou seja, um quadro não pode ser justaposto a outro, é um mosaico de passages soltas, que vão aos poucos se encaixando como nos mais imbricados quebra-cabeças.

Só a partir de algum tempo de análise e correr de Teorema é que podemos perceber a crítica aos preceitos hipócritas da sociedade daquele contexto histórico. O “despir” do eixo capitalista, em meio a um cenário, que aparenta ser um vulcão italiano pronto para uma erupção, é alegoricamente falando a transfiguração do desespero do lucro ante a sua derrocada e a busca pelo isolamento: única saída cômoda para os patrões individualistas.

O GRANDE CHEFE - Ao estilo de Lars Von Trier

2009-08-18T14:41:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

O estilo de Lars Von Trier é bem diferente do que estamos acostumados. Cortes no meio das cenas, uma narrativa direta, quase simplista. O diálogo entre os personagens envolvem na trama lúdica de forma a povoar de indagações quem está diante da tela. Um ator mal sucedido encontra o seu momento de glória, quando contratado para estrelar como “o dono de tudo”, acaba pondo fim as esperanças de todos. Ravn, vigarista oportuno o contratara para atuar como proprietário da empresa da qual ele é dono. Ravn gosta de ser amado, feito ursinho de pelúcia, literalmente. Todavia Ravn, sob uma manta de cuidadoso advogado da empresa, é na verdade o “dono de tudo”. Sem querer mostrar sua face engana os seis diretores de sua empresa e tecnologia de informação.

O ator mal sucedido do começo do texto é o fantoche que ele deseja usar para vender a empresa, sem remorsos ou direitos para qualquer um de seus funcionários. O pobre coitado ator falido, Kristoffer, veste as glórias de ser o grande chefe e passa de idiota, de malvado, de gay, de sedutor, consecutiva ou simultaneamente. Encontra a mulher, com quem foi casado por cinco anos, na condição de advogada do islandês que deseja a compra da empresa.

No fim, o canalha vira amiguinho, mesmo quando o ator se questiona sobre do céu ao inferno em instantes. O final não é bem como s queria, a venda da empresa acontece e o ator fracassado agora arranja palcos macabros, encenando seu adorado diretor de teatro – cuja mais citada obra por ele é “A Cidade sem chaminés” – para um platéia estreita e que odeia sentimentalismo dinamarquês.

CARNE TRÊMULA - O quente cruzamento de cinco vidas

2009-08-06T08:31:00.000-07:00

Por Alan Regis Dantas

Lançado em 1997, Carne Trêmula tem como diretor o espanhol Almodóvar, já conhecido pela sua produção tipicamente sensual. O filme não deixa de ser aquele velho tipo Hollywoodiano mas traz questões relevantes para a vida cotidiana de muitas pessoas em todo o mundo. Passando pelas ruas de Madrid, Almodóvar transforma a vida de um entregador de Pizzas num misto amor, sexo e traição.

Várias situações retratadas pelo filme vão ao encontro da realidade concreta. A presença de um marido alcoólatra com uma mulher que já não suporta ser espancada e busca num jovem, Vítor, os momentos que já não tinha no casamento. Um policial, que no exercício de sua profissão acidentalmente perde o movimento das pernas e ganha no basquete sobre rodas, uma oportunidade para continuar tendo uma vida suportável. As dificuldades do cadeirante (Javier Bardem), são expostas em situações como entrar em seu carro adaptado e descer as escadas preste a cair.

Os momentos de sexo do filme podem ser considerados como “mágicos”. Através deles podemos observar a habilidade do diretor em valorizar a cor, a luz, o suor e as curvas dos corpos que se entrelaçam embalados pela música espanhola, causando um completo envolvimento sem ser escrachado.

Podemos determinar que a mensagem central da obra seja a de que um amor é um fogo que não se apaga com a tempestade que a vida pode trazer. A noite vivida por David e Elena serviu para selar o começo de uma nova existência e o fim de uma época que deixou marcas na história dos personagens. Nas cenas finais revemos o mesmo quadro do início, um filho nascendo dentro de um veículo, nas ruas movimentadas de Madrid, demonstrando que a vida é apenas um ciclo, o que muda são seus atores.

Agosto - Mês Europa

2009-08-04T05:02:00.000-07:00

No mês de agosto, o CINEFA7 retorna às suas atividades. Depois de um semestre muito positivo para o projeto, 2009.2 promete ser mais um "sucesso de bilheteria " na Faculdade 7 de Setembro. Com a volta das aulas e as novas turmas que chegaram, a expectativa é que cada vez mais os alunos assistam às sessões e passem a visualizar de uma maneira diferente o cinema em sua percepção artística e social.

Neste mês de agosto traremos quatro filmes de diferentes países europeus, como o primeiro, Carne Trêmula, de Pedro Almodóvar, que traz o romance sensual da Espanha, passando pelo Grande Chefe, uma comédia que perpassa “apenas” por Dinamarca , Suécia , Islândia , Itália ,França , Noruega , Finlândia e Alemanha . Traremos também um filme muito subjetivo chamado O Sétimo Selo de origem sueca. E o último será um clássico de Píer Paolo Passolini :Teorema.

Não deixe de participar do CINEFA7 de agosto. Chame a sua turma para depois da aula às quartas-feiras dar uma passada e conferir um cinema diferenciado e seletivo, além do mais, a presença vale 2 horas/aulas complementares. Participe e divulgue.

VILAS VOLANTES - Palavras sopradas

2009-06-12T11:43:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

A história contada por aqueles que a vivem. Lembranças dos conhecidos, a maioria já de “finados”. Cada ponto que compôs a cidadela que agora não mais existe. Quem vê os dois ali apontando para o nada pode até pensar que se trata de um autismo coletivo, ou que a velhice já extinguiu a lucidez. Todavia a memória não falha e os nomes vêm. E junto com eles mais estórias de passados e de vidas que agora estão sob a areia. As dunas movidas pelo vento movimentam-se descobrindo e encobrindo vilas. A medida que elas se aproximam, os moradores migram para lugares diversos. A igreja, a mercearia, as casas dos pescadores. A fome das dunas ao sabor dos ventos devora tudo. E os viventes vão buscar outro lugar que os dê abrigo, até a próxima duna.

No premiado documentário de Alexandre Veras, os cenários se misturam com a narrativa oral. O fenômeno do deslocamento de vilas, nas cinco cidades do interior do Ceará, é palco dos discursos dos personagens.O pescador, o construtor de barcos, a senhora que expõe as semelhanças entre o pequeno ser que cultiva na mão, achado por ali pelo mar, e o animal que deu o nome ao bichinho, o cavalo.

Cada cena é como uma pintura. Se congelamos as cenas, as fotos resultantes são belas e suplicantes de contemplação. O mangue, o garoto que corre sob duas rodas nas dunas, ou mesmo o senhor-pescador que parece vai ser engolido pela parede de areia á sua frente, como quando está no mar e a parede que enfrenta é de água e sal.

Um pequeno filme. Um retrato, vários retratos.

Nossos parabéns a poesia de imagem em movimento. O movimento dos ventos, das dunas, das gentes, das histórias.

Confira galeria de fotos, com os quadros-momentos:

A PESSOA É PARA O QUE NASCE - A luz de quem vive na escuridão

2009-06-04T15:33:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

A pessoa é para o que nasce ...

Três irmãs, um destino. Repleto pela música, pelo tocar do ganzá, pelo barulho das moedas caindo, pela escuridão. Pediam esmolas desde que eram adolescentes. Pelo canto sobreviviam. A moléstia congênita que teimou em encarnar nas três mulheres. Se explica, como elas imaginam, pelos laços sanguíneos entre a mãe e o pai. Eram primos. Mas o mal pode transformar. A união faz delas uma só. Dormindo, acordadas ou cantando. Vidas unidas pela falta da luz. As vozes graves passaram a encantar o Brasil. Porque a pessoa é para o que nasce! Encantaram Gil, o público e o expectador do filme de Berliner. Esse inclusive, é o alvo de uma amor confundido de Maria, a do meio. Ela teima em perseguir o amor. Já casou por duas vezes. Na primeira, o marido – repentista – a maltratava, mas deixou-lhe uma estrela. Dalva. Na segunda, diz que o esposo era bom sem precedentes. Mataram-no pelas costas á facadas. E junto com ele mais uma luz de Maria findou. Ficou só novamente. Com o filme, o diretor a fez reconceber sentimentos. Novamente, desilusões. Ao som de um música brega-anos 90, tocada num rádio velho. Depois viu a esposa e o filho daquele que achara ser seu amado.

A mais nova da irmãs recebeu as graças de uma marca. Marca da fonte da vida, a água. Chama-se Indaiá. Já Poroca (Conceição) é o nome que se apegou a mais velha. Todas são retratadas num belo documentário que desnuda um cotidiano simples de três mulheres-guerreiras da vida da Paraíba. Com o filme, se tornam aquilo que não podem ver. Luz, estrelas de cinema. O que lhes traz muita alegria. Ingenuidade nas palavras, nos pedidos, nas histórias. Fazem de Maria, Conceição e Indaiá pedaços firmes-leves da cultura popular nordestina brasileira.

A nudez que fecha o filme talvez queira transmitir a pureza escondida nos corpos que sequer podem ver. As cores, as formas e a malícia dos homens. Justa e célebre homenagem de Berliner às irmãs, à cultura.

Junho: Nordeste no Cine Fa7

2009-06-01T10:38:00.001-07:00

Junho é o mês em que, sem sombra de dúvida o nordestino se sente orgulhoso de aqui ter nascido. Uma explosão de cores, de tradições e de imagens, inundam as cidades, as lojas. Os meios de comunicação parecem se voltar para esta terra, esquecida durante os outros meses do ano.Ser nordestino, como disse Euclides da Cunha, é ser acima de tudo, um forte. E esta frase pode ser aplicada também quando se fala em audiovisual e cinema.

São várias as dificuldades encontradas para os que, na região tentam produzir seus vídeos, documentários e filmes de curta,média e longa metragem. Mas apesar dessas barreiras, muito é feito por aqueles que "com gosto de sangue na boca" se arriscam a produzir, tendo muitas das vezes que arcar com os próprios custeios de produção e edição dos projetos. E no Ceará a situação não é menos preocupante, há vários anos vem-se tentando fortalecer o movimento no estado, à base de muita força de vontade e atenção do governo do estado.

Para este mês, em que pretendemos mostrar um mínimo do que já foi feito por nossos diretores teremos três visões diferentes: à partir do Ceará, com o premiado diretor Alexandre Veras e suas Vilas volantes- o verbo contra o vento (10/6) , trazendo uma mostra de como as histórias são repassadas oralmente pelos mais velhos. A pessoa é para o que nasce (3/6), traz uma visão iluminada de três irmãs cegas da Paraíba que, com muito talento, demonstram a vontade de viver através da música. Viva São João é um típico "documentário/clipe" em que Gilberto Gil vive aquele sujeito que já não sabe mais como ser nordestino e observa "de fora" aquilo que já não possui, a nordestinidade.

São por esses e outros motivos que o Cine FA7 encerra suas atividades no semestre com este tema tão rico e sedutor. Para os que vão às sessões, o certo é que não se arrependerão, pois estarão vivenciando a cultura de sua terra, de suas raizes através dos três documentários que encherão os olhos do seleto grupo que acompanha o Cine FA7 toda quarta às 11h na sala 53B.

GUATANAMERA - A solução para o percurso dos mortos, em clima de amor

2009-05-27T17:47:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

A comédia romântica, traz como enredo principal o sistema burocrático presente em Cuba. Um funcionário do sistema desenvolve uma maneira engenhosa de transporte de mortos, para suas respectivas terras natais. Todavia, a coisa se revela bem mais complicada do que ele poderia imaginar. Além das complicações do percurso, os chefes políticos visualizam grandes transtornos com a idéia. Na verdade, o objetivo principal dele é o de ascender meteoricamente com sua grandiosa invenção. Sua mulher, acaba reencontrando um aluno dos tempos em que lecionava Economia em uma faculdade cubana.

Para o azar do marido, o ex-aluno, que já mantinha um afeto declarado em carta entregue a professora, balança com a mulher. Ela, reprimida pelo esposo, em gestos, vícios e vida, resolve desvencilhar-se de tais algemas. Tudo isso acontece na travessia que percorre Cuba de uma ponta a outra. Para mostrar que seu novo sistema de transporte de falecidos é eficaz, o funcionário resolve ele mesmo testar, utilizando-se para isso, da morte da tia de sua mulher. Essa tia por sua vez, uma cantora famosa internacionalmente, havia voltado para o amor que a esperara por quase meio século. No momento do reencontro, as emoções povoadas de boas lembranças abatem seu coração. E com isso inaugura o sistema de transportes do marido da sobrinha. Toda a trama é regada pela ondulante trilha que dá nome ao longa. Entre graças e beijos cubanos, o clima de romance e aventura abobalhada se entremeiam.

A ROSA PÚRPURA DO CAIRO - A metalinguagem de Woody Allen

2009-05-20T11:25:00.000-07:00

Por Alan Regis Dantas

O filme A Rosa Púrpura do Cairo de Woody Allen é uma comédia no mínimo surreal. Mais do que isso, nos leva a crer na perspectiva de realidade que o cinema pode introjetar em nossas vidas. A cina de uma simples garçonete (Cecilia), interpretada por Mia Farrow que sofre com seu marido, se transforma em um verdadeiro sonho a partir do momento em que o personagem do filme, Tom Baxter, que já assistira cinco vezes, salta de uma imagem descolorida para a realidade.

Woody faz também, uma referência e uma sátira a situação americana na época da depressão, desemprego, falta de alimentos e de dinheiro viram passagens cômicas na voz e nas atitudes de Tom. Jeff Daniels, o artista que faz dois personagens idênticos deve ter tido uma missão bastante incômoda em conciliar duas figuras que são ao mesmo tempo ficção e realidade.

Outro aspecto retratado no filme, é a vaidade nos grandes artistas de Hollywood, visto que o personagem “real”, que interpreta Baxter (Gil Sheperd), acaba seduzindo Cecília, através de sua importância cinematográfica para salvar a própria pele, ou seja, sua carreira. Na verdade, vemos no filme uma verdadeira metalinguagem do cinema, onde este é o sujeito de si mesmo, levando ao desencadeamento da ações.

O certo é que Allen não faz mais do que reproduzir um desejo de todos aqueles que gostam do Cinema. Quem já não desejou ou se imaginou estar dentro da tela? Vemos a cena em que encantada, Cecília passeia pela cidade com seu herói inventado, pouco antes de tudo aquilo ter um fim, realmente, essa é a proposta da Sétima Arte.

Premiações para A Rosa Púrpura do Cairo e seu diretor:

- Recebeu uma indicação ao Oscar, na categoria de Melhor Roteiro Original.

- Ganhou o Globo de Ouro de Melhor

Roteiro, além de ter sido indicado em outras três categorias: Melhor Filme - Comédia/Musical, Melhor Atriz - Comédia/Musical (Mia Farrow) e Melhor Ator - Comédia/Musical (Jeff Daniels).

- Ganhou o Prêmio FIPRESCI, no Festival de Cannes.

- Ganhou o Cesar de Melhor Filme Estrangeiro.

Uma dose de Woody Allen:

Para quem não sabe, o verdadeiro nome do diretor de A Rosa Púrpura do Cairo é Allan Stewart Konigsberg. Nasceu no dia 1º de dezembro de 1935, no Brooklyn em Nova York, EUA e já dirigiu até hoje 41 filmes, o último deles se chama Vicky Cristina Barcelona, que foi lançado no ano passado, além de dezenas de indicações a Oscars e prêmios.

Uma curiosidade é que Allen já foi casado com Mia Farrow, a Cecília que protagoniza o filme que exibimos, porém separou-se dela em 1997 para ficar com sua filha adotiva, Soon Yi, com quem está até hoje mas ele sempre teve problemas de relacionamento.

UM DIA SEM MEXICANOS - Uma comédia muito séria

2009-05-13T16:44:00.000-07:00

Por Sâmila Braga

As pessoas, cujas funções compõem os ramos mais necessários da Califórnia, somem! Pura mágica ou uma crítica ferrenha ao modo como os estadosunidenses tratam os latinos? A sétima arte desta vez traz o tema da imigração para a telona.

Hispânicos, sua cultura e todo o mais sempre mediocrizados pelo povo dos EUA, sofrem um sumiço repentino. O abalo é maior do que se poderia pensar – pelos lindos, brancos e ricos “americanos”, é claro. Os serviços mais básicos, desde fritar o gorduroso café da manhã de um senador à realizar as colheitas, que movimentam boa parte da economia, deixam de ser feitos. A falta da latinidade e de toda sua força de trabalho é sentida. Só mesmo assim, pelo visto. Daí a trama segue, apontando os conflitos que surgem com o desaparecimento.

Com humor e gloriosa ironia os diretores do filme Um dia sem mexicanos englobam o preconceito, sem monotonia. Numa situação hipotética como essa, em estado de caos, a superioridade e o senso de nação invadida por um povo estranho, caem por terra. Os “americanos” consideram o “povo hispânico” como um só, permeado de estereótipos.

Contextualizando...
Se trouxermos essa realidade para uma discussão mais nacionalizada, podemos comparar o caso a uma situação efetivamente mais próxima. São Paulo, capital do Brasil!!! Deus no céu e o nordestino no inferno. “Povinho da roça, cabeça-chata...”, e blá, blá, blá. O umbigo nacional se volta ao povo do “r” toRto. Segundo eles próprios. Salvo, aqueles que não se assemelham as maiorias e divergem dessa opinião. A maior parte, talvez incentivada pelo constante inchamento do ego paulistano-carioca, realizado pela mídia. A questão é que se acontecesse o mesmo em São Paulo, que aconteceu no filme, na Califórnia, a conjuntura não seria muito diferente. Eles ignoram que as massas são compostas pelo povo que inferiorizam. E são eles que dão a “sustança” necessária a subsistência da exploração e do sistema. Sem o nordestinos, assim como, sem os “mexicanos” – talvez chamados assim porque para os “americanos” a única nacionalidade que importe seja a deles – a desordem reinaria no “centro-sul” do país.

Ambos são a mão do processo de construção das cidade. E mais que isso são a mão que foi enfiada na massa. Literalmente.

O Cine FA7 agora está na Internet

2009-05-11T09:25:00.000-07:00

A partir de agora, o projeto voltado para todos aqueles que curtem bons filmes e ainda por cima querem algumas horas complementares para o currículo na Faculdade 7 de Setembro, tem um espaço na Rede Mundial de Computadores.

O Cine FA7, como o lugar reservado para a exibição de filmes cresceu neste semestre (2009.2) e já começa a atingir os outros cursos da FA7. Ficção, documentário, comédia, temas sociais e varias outras temáticas são abordadas nas sessões, que acontecem todas às quartas no horário EF a partir da 11h10, na sala 53b do instituto FA7.

O Blog do Cine FA7 será constituído de resenhas, comentários, sinopses, indicações, novidades do cinema não-comercial e você poderá interagir dando notas para os filmes exibidos e pode receber nosso informativo com várias matérias sobre cinema, cultura e entretenimento. Dicas de eventos e de outros espaços destinados à produção e exibição da sétima arte em Fortaleza, no Ceará e no Brasil.

Vale destacar que o projeto já conta com o e-grupo para troca de e-mails, de uma comunidade no Orkut e agora com o seu Blog, que nasce pra ampliar suas vias de divulgação e aumentar seu grau de interação com os freqüentadores.

Passando por clássicos do Cinema, desde Orsson Welles, até figurões do documentário brasileiro, como Eduardo Coutinho, o Cine FA7 coordenado pelo professor Dr. Paulo Germano, traz um tema diferente a cada mês de exibição e promove filmes que objetivem o engrandecimento cultural e intelectual de sua audiência, procurando também provocar uma forma de reflexão sobre os filmes e sobre a sociedade como um todo.

Então seja bem-vindo ao Blog do Cine FA7. Aproveite, divulgue e o mais importante, compareça às sessões, afinal o cinema é uma arte e nos faz ver a sociedade e o mundo no qual estamos inseridos.

Entre em nosso e-grupo e mande um e-mail para cinefa7@grupos.com.br. Peça já sua inclusão!

Alan Regis